音楽は、映画のストーリーを観客の心に引き込む目に見えない糸です。このガイドでは、映画音楽の目的、創作、遺産など、映画音楽のあらゆる側面を解き明かします。
スコアがないと、映画は感情的な深み、テンポ、劇的な緊張感を失います。サウンドトラックは単なるバックグラウンドミュージックではありません。それらは物語の鼓動であり、視聴者を映画の世界へと導きます。
映画音楽とは正確には何ですか?
映画音楽とは、映画のシーンのために特別に書かれたオリジナルの音楽です。作曲家は、感情を高め、映画の音のアイデンティティを定義するメロディー、ハーモニー、テクスチャーを作成するために雇われます。
この伝統はサイレント時代に始まり、ピアニストが劇場で対話の欠如を埋めるために即興音楽を演奏しました。この実践は、今日私たちが認識している洗練された映画音楽技術に発展しました。
映画音楽の歴史を詳しく知りたい場合は、この評価の高いドキュメンタリーをご覧ください。
オーケストラは依然としてゴールドスタンダードですが、デジタル オーディオ ワークステーションの進歩により、現代の楽譜では生の楽器と仮想テクノロジーが融合することがよくあります。
映画スコアが必要な理由
スコアは感情的なサブテキストを提供し、画面上のアクションと同期し、没入感を深めます。それぞれの合図（特定の瞬間に合わせた音楽フレーズ）は、物語の重要性を増幅させます。
スコアとサウンドトラック:違いを明確にする
このスコアは、映画のビジュアルビートに沿ってカスタムで書かれた音楽であり、監督と協力して作成されました。対照的に、サウンドトラックは、映画に組み込まれている、多くの場合ボーカルをフィーチャーした厳選された曲のコレクションです。
どちらも視聴体験を豊かにするのに役立ちますが、映画の物語構造に独自のものがあるのはスコアだけです。
優れたスコアとは何ですか?
説得力のあるスコアは、適切な楽器編成と音響パレットを使用して、遠い銀河や歴史的な時代など、映画の設定を反映しています。
感情的には、音楽は決して対話を損なうものであってはなりません。バランスの取れたミックスにより、スコアは圧倒されるのではなく支持的なものとなり、強力なパッセージはワイド ショットやクライマックス シーンのために確保されます。
タイミングが非常に重要です。音楽のフレーズを視覚的なビートと一致させると、インパクトが高まります。オープニングノートを適切に配置すると、シーン全体の雰囲気を決めることができます。
スコアはどのように作成されますか?
1.書く
このプロセスは、監督と作曲家の対話から始まり、物語のビートの概要を説明します。シンプルなメロディーのモチーフから、作曲家はアイデアを拡張して完全なテーマ素材を作成します。
2.オーケストレーション
ここで、オーケストレーターは、音域、音色、望ましい音の質感を尊重しながら、作曲家のスケッチを各楽器の詳細なパートに翻訳します。
Kitreel 経由の画像。 3.録音
指揮者はミュージシャンを先導し、映画のアクションと正確なタイミングを合わせます。作曲家と監督は、ダイナミクスや感情的なニュアンスを微調整することによく注意します。
4.同期中
同期すると、SMPTE タイムコードまたは画面上の視覚的なキューを使用して、スコアが映画のビートに合わせられます。ポストプロダクション編集者は、物語の流れに合わせてトランジションを磨き上げます。
主要な要素と構造
アンダースコアリング、つまり気分を微妙に高める音楽は基本です。地理的および時間的状況に応じて、和声とメロディーの選択が決まります。
ライトモチーフ (登場人物やロケールに関連付けられた繰り返しのテーマ) は、テーマの一貫性を生み出します。ジョン ウィリアムズやエンニオ モリコーネのような作曲家は、物語の変化を反映するためにライトモチーフを巧みにアレンジしています。
特に電子スコアのサウンド デザインは、リアリズムを追加します。空間配置 (パンとステレオ イメージング) により、視聴者は映画の世界に引き込まれます。
ホラー音楽では、恐怖を呼び起こすために不協和音やパーカッシブなモチーフがよく使用されます。 サイコ 象徴的なヴァイオリンの突き刺しでこれを例示しています。
この画像を見たら、スコアを聞かないわけにはいきません。スコアによっては、非常に影響力があり、その後何十年にもわたって聴衆の心に焼き付けられることがあります。ユニバーサル スタジオ経由の画像。 テーマ構造
一般的な形式には、AAA (展開を伴う反復テーマ)、AABA (2 つのテーマ間のコントラスト)、および ABAC (3 つの異なるアイデア) が含まれます。これらの構造は物語の弧を反映し、視聴者を感情のピークと解決へと導きます。
有名な映画音楽作曲家
ジョンウィリアムズ
ジョン ウィリアムズとジョージ ルーカスは頻繁にコラボレーションしています。画像は、Featureflash Photo Agency 経由です。 「帝国行進曲」など、ウィリアムズの記憶に残るモチーフは、100 を超える楽譜とともに文化の試金石となっています。彼のオーケストラの色彩の熟練は、映画音楽のベンチマークを確立しています。
エンニオ・モリコーネ
オーケストラを指揮するエンニオ・モリコーネ。画像は praszkiewicz 経由です。 スパゲッティ ウエスタンに関するモリコーネの作品 —善、悪、醜 、一握りのドル - アメリカ西部の荒涼とした風景を捉えるための彼の革新的な空間と機器の使い方を例証しています。
ハンスジマー
ジマーはオーケストラの深みとエレクトロニックな質感を融合させます。 インセプションのスコア 、インターステラー 、 そしてダークナイト 没入型の音の世界を構築する彼の能力を披露してください。
その他のアイコン
BernardHermann によるサイコの不協和音スコア 、HowardShore のロード・オブ・ザ・ リングのための包括的な音楽 、およびアルフレッド ニューマンによる初期のハリウッドの名作の不朽のテーマはすべて、このジャンルの豊かな多様性を示しています。
最高の映画音楽の一部
ベン・ハー (1959 年)
MiklósRózsa の音楽はオスカーを獲得し、本物のギリシャとローマのモチーフを描き、映画の壮大なスケールを強調しました。
キングコング (2005)
JamesNewtonHoward は、わずか 5 週間で、合唱団、民族楽器、現代オーケストラのテクニックをバランスよく組み合わせた、壮大でオーケストレーションされたスコアを完成させました。
猿の惑星 (1968)
ジェリー ゴールドスミスは、前衛的なテクスチャーと非伝統的な楽器で常識を打ち破り、不安な音の風景を作り出しました。
ブラックパンサー
ルートヴィヒ ゴランソンの音楽は、アフリカのリズムと壮大な交響曲を融合させた、セネガルの文化的没入から生まれました。
ジュラシック パーク
ウィリアムズの象徴的なテーマは、ライトモチーフを利用して畏怖と恐怖を伝え、ポップ カルチャーにおけるこの映画の地位を確固たるものにしました。
タイタニック
オスカー賞を受賞した「マイ ハート ウィル ゴー オン」を頂点とする、ジェームズ ホーナーの圧倒的な音楽は、この映画の悲劇的なロマンスを捉えています。
ソーシャル ネットワーク
アティカス・ロスとトレント・レズナーによるミニマルでデジタル主導の音楽は、映画のテクノロジーに精通した物語を反映し、9 つの主要な賞を受賞しました。
ドクタージバゴ
モーリス ジャールの豊かな文字列、特に「ララのテーマ」はロシアの音楽の伝統を反映しており、映画の感情的な核を強化しています。
ワンス・アポン・ア・タイム・イン・ザ・ウェスト
モリコーネはハーモニカ、エレキギター、オーケストラの力を融合させ、時代を超越した西部劇のサウンドスケープを生み出しました。
ターミネーター 2:審判の日
BradFiedel の金属パーカッションとステレオ フィールド操作の使用は、未来的な映画音楽の先例となりました。
映画作曲家は、視覚的なストーリーテリングを音の言語に翻訳する、それ自体が映画製作者です。彼らの作品には、リサーチ、技術スキル、そして物語を高めるための監督との緊密な協力が必要です。
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