アートとデザインの 7 つの原則を使用すると、よりダイナミックで目を引く写真を作成することができます。しかし、これらの原則を習得するのに芸術鑑賞の学位は必要ありません。簡単な紹介でも写真構成のスキルを向上させます。
この記事では、アートとデザインの 7 つの原則について説明します。それらが何であるか、そして写真でどのように使用できるかを検討します。この記事は単なる紹介ですが、本文中には詳細な記事へのリンクがあるのでご注意ください。
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アートとデザインの 7 つの原則とは何ですか?
アートとデザインの 7 つの原則は、バランス、リズム、パターン、強調、コントラスト、統一性、動きです。
アーティストは、多かれ少なかれこれらの原則を使用して、作品を視覚的に興味深いものにします。しかし、これらの原則は画家やグラフィックデザイナーに限定されるものではありません。写真家は、これらの原則を使用してビジュアル スタイルを向上させることもできます。
アートやデザインの要素もあります。これらは、線、形、形、空間、値、色、テクスチャです。これらは、ビジュアル アーティストがイメージを構築するために使用するツールです。これらは、写真を含むあらゆる視覚芸術形式の構成要素となります。
写真家は、アートとデザインの 7 つの原則を適用することで、アート理論に基づいた画像を作成できます。それぞれの原則を詳しく見てみましょう。
ミケランジェロのアダムの創造 アートとデザインの 7 つの原則を深く理解していることを示しています。
1.残高
バランスは、画像の視覚的な重みを示すために使用されます。写真を統合したり、分裂を生み出したりすることができます。バランスは 3 つの方法で実現できます。
<オル>バランスを大切にすると、写真に安定感が生まれます。アンバランスなイメージは不調和や不安を生み出します。望む結果に応じて、どちらのアプリケーションでも問題ありません。
バランスは、間違っている、または正しいと「感じる」という点で官能的です。画像のバランスを強調するために、カメラを動かしてさまざまな視点を実現してみてください。
さまざまなフィールドの質感や色の写真を撮ってみることもできます。恐れずに少し試してみてください。
この歩道の対称的なバランスが奥行きを生み出し、見る人の目を画像へと導きます。 © スティーブン・クレーン
2.リズム
多くの点で、写真の構成は音楽の構成と非常に似ています。写真のリズムの概念は音楽理論から多くを借用しています。
音楽家が楽譜の音符を読むのと同じように、空間内の被写体が私たちの写真の見方を規定します。リズムは、画像内で繰り返される視覚要素の組織的または無秩序な分布を決定します。
楽譜を視覚化して、写真にリズム感を取り入れてみてください。以下のような写真内のネガティブなスペース、相関関係、被写体間の違いは、楽譜上の音符を反映しています。
© セルゲイ・コテネフ
3.パターン
パターンは規則性によって視覚的な世界を意味します。人工的で抽象的な物体から有機素材に至るまで、あらゆるものにパターンを見つけることができます。
人間の目はパターンを見つけるように調整されています。それらは、視聴者に驚くべき感情的な反応を引き起こす可能性があります。
デザイン要素を予測可能な方法で編成してパターンを形成できます。簡単に言えば、パターンはアートとデザインの要素の繰り返しです。これらは 1 つのフレーム内で同時に動作します。
パターンはアートとデザインの有効な原理です。彼らはページから画像を持ち上げます。写真でパターンを使用することは、写真のテクニックであると同時に探求することでもあります。
建築物や都市の特徴、あるいは花などの有機的な被写体を探してみてください。一度探し始めると、身の回りにあるパターンの多さに驚くでしょう。
© キム・チャン
4.強調
強調により、画像内の注目の中心が形成されます。色、空間、テクスチャ、線が連携して画像の焦点を決定します。
写真に強調を加える方法はたくさんあります。空間的な強調には、写真フレーム内での被写体の向きが含まれます。
画像の中央に位置する単独の被写体は注目を集めます。これは写真の中で最も簡単に入手できるコンポーネントです。選択的なグループ化により、多くの被写体が含まれる写真の特定の焦点に視聴者の目を誘導します。
被写体のサイズは、見る人が写真をどのように「読む」かにも影響します。被写体が大きいほど、画像の表面に近いことがわかります。
背景の小さな被写体よりも注目を集めます。スケールを表示すると、被写体の物理性についてのストーリーが伝わり、奥行きと遠近感が加わります。
色は強調を養うもう 1 つのツールです。暗いシーンの中に明るいまたはカラフルな被写体があると、画像に活気と生命感が与えられます。見る人の目を引きつけます。
© アルテム・クニアツ
5.コントラスト
コントラストは、写真内に 2 つ以上の相反する要素が存在する場合に生成されます。光と闇、暖かいと冷たい。しかし、コントラストには物理的な要素も含まれます。
テクスチャは、写真におけるコントラストの原理を使用するもう 1 つの方法です。画像に 2 つ以上のテクスチャを含めると、触感が生まれ、その場所の感覚が生まれます。
植物の毛羽立った蔓の上にある丸い水滴は、テキスト的に対照的な主題の一例です。
対照的な主題が写真に物語をもたらします。また、鋭さと柔らかさ、古いものと新しいもの、または曲線と直線などの属性を並べてみることもできます。
6.団結
Unity は、画像内の要素間の視覚的な関係を記述します。統一感のあるイメージを作るのに役立ちます。似たような色、トーン、コンセプト、要素を使用すると、統一感が生まれます。
不一致はその逆です。不適切なトリミング、ぎこちない視点、露出オーバーまたは露出アンダー。これらはすべてイメージを混乱させ、不統一を引き起こす可能性があります。
統一されたイメージの根底にあるもう 1 つの側面は、写真の仕上がりについての明確なアイデアです。写真の結果、つまり目標とは、撮影前の画像の理想化された心のイメージです。
結果を事前に視覚化することで、写真家は写真の目的についてより明確なアイデアを得ることができます。これにより、写真家は画像をより細かく制御できるようになります。
© ジャスピンダー・シン
7.動き
写真における「動き」という用語は、カメラのシャッタースピードと被写体の関係を表すことがよくあります。アートとデザインに関して言えば、動きとは、写真を読んでいるときに見る人の目がたどる経路を指します。
アートとデザインの要素と原則が運動を形作ります。写真家は、見る人が写真をどのように吸収するかをコントロールできます。たとえば、写真で線を使用すると、見る人の目を導く「視覚的なハイウェイ」が作成されます。
ギザギザの線は興奮を生み出し、見る人の視線をある点から次の点に移します。曲線はより繊細になります。これらにより、画像の表示速度が低下します。
人間の視覚の性質と心理を理解することは、動きを制御する上で重要です。
たとえば、人間の目は特定の色に対して他の色よりも敏感です。赤は注目を集めます。ソフトブルーはより優しく、より繊細です。色と彩度を選択して使用することで、動きを指示できます。
写真を通して閲覧者の目を誘導するには、さまざまな方法があります。動きは、目の性質と、視覚情報をどのように吸収するかの背後にある心理を研究します。
結論:アートとデザインの原則
写真における芸術の 7 つの原則は、バランス、リズム、パターン、強調、コントラスト、統一性、動きです。これらはビジュアル アートの基礎を形成します。
アートとデザインに関するこれら 7 つの原則を使用すると、写真をより細かく制御できるようになります。これにより、より目立つ、より良い写真が得られ、写真撮影の機会を認識するのに役立ちます。