脚本は映画のバックボーンです。これは映画の脚本であり、セットの全員が協力して生き生きとしています。
多くの人にとって、対話を書くことはスクリーンライティングの最も困難な部分になる可能性があります。ストーリーを念頭に置いた映画のアイデアがあるときは、何が起こり、どのように起こるかを考えています。しかし、スクリプトを書くときになると、キャラクターが実際にお互いに言っていることにつまずくのは信じられないほど簡単です。
この記事は、スクリプト化された映画プロジェクトに取り組んでいる人々が自然な会話を書くのを助けることを目的としています。
優れた対話の原則
対話の公式はありませんが、役立つことを覚えておくべき重要な原則があります。それらのどれもが厳格で速いルールではありませんが、正しい方向にあなたを導く傾向があります。
対話はケーキのアイシングであり、ケーキ自体ではありません：
映画は主に視覚的な媒体であり、あなたの物語は何よりもまず視覚的に語られる必要があります。無声時代に作られた映画の素晴らしい傑作があったことを覚えておいてください。では、映画を作るのに対話が必要ないのなら、なぜそれを使うのでしょうか。対話は、映画製作者が使用する多くのツールの1つであり、キャラクターが互いにどのように関係しているかを示し、プロットを前進させることに特に長けています。
対話は性格によって動機付けられるべきです：
最終的に、対話はそれを言うキャラクターと深く結びついています。ほとんどの場合、行を作り直さずに、どのキャラクターが何を言うかを切り替えることはできません。それぞれのキャラクターは個人であり、背景や経験に基づいて独自の方法で物事を言います。脚本を書くときは、主人公が誰で、何を望んでいるのかをしっかりと理解する必要があります。各キャラクターは明確に区別され、区別されている必要があります。
欲しい+障害
すべての説得力のあるシーンは、障害物を交渉する何かを望んでいる人に関するものです。これが劇的な対立の根源であり、それが私たちが物語を楽しむ理由です。あなたの対話を推進するのはこの対立です。あなたのキャラクターが誰であるか、彼らが何を望んでいるか、そして彼らがそれを受け取らなかった場合に何が起こるかです。これらのことに焦点を当てた対話を続けようとすると、正しい方向に進んでいます。
実際の音声パターンと画面の対話：
人々が実際にどのように話すかを理解し、画面の会話は同じではないことに注意することが重要です。実生活では、人々は思考の流れを開始および停止し、「ええと、うーん…など」というフィラーワードをたくさん使用します。人々は脇道に追いやられ、接線をたどります。これらの実際のスピーチパターンのいくつかは、劇映画にはうまく機能しません。誰かが考えを始めたり止めたり、数語ごとに「ええと」を投げたりするのは「現実的」ですが、そうすると映画のペースが遅くなります。帆から風を吹き飛ばします。つまり、それはあなたが構築している劇的な緊張を和らげます。これらのスピーチパターンをドラマチックな目的で意図的に使用できる場合もありますが、ほとんどの場合、それらを避けることをお勧めします。画面の会話は実際のスピーチに似ていますが、劇的な目的のために少しクリーンアップされています。
フロー、バリエーション、明快さ：
あなたはあなたの対話が流れることを望みます。自然な感じに。リズムやリズムを発達させること。重要な部分は明快さです。観客は、彼らがそれを言うために使用する言葉に関係なく、あなたのキャラクターが何を言っているかを知っている必要があります。
避けるべきこと
これらは、対話を書く際に避けたいいくつかのことの一般的なガイドラインです。すべてのルールには例外があり、これらのガイドラインのいずれかを破ることでストーリーがさらに進んだり、視聴者のキャラクターに対する理解が深まったりする場合は、必ず無視してください。ただし、ほとんどの場合、次のことを回避できれば役立ちます。
プレザントリー
「こんにちは、お元気ですか？」のようなシーンを開始します。 "私は元気ですよ、あなたは？" 「質問してくれてありがとう」は、一般的に望ましくありません。それはシーンを遅くし、あなたの聴衆はすぐに興味を失います。スクリーンライティングの基本的なルールは、できるだけ遅くシーンに入り、できるだけ早くシーンから出るということです。簡潔にしてください。
「オンザノーズ」であること
キャラクターが自分の考えていることを正確に言うとき、それは「鼻の上の」対話と呼ばれます。実生活では、人々は自分が感じていることをはっきりと述べないことがよくあります。彼らは繊細さを使用し、「社会的に受け入れられる」層で彼らの本当の気持ちを覆い、あるいは彼らは誤った方向に向けます。対話が目前に迫っているとき、それはしばしば不自然に感じます。
解説
これは、キャラクターがストーリーの筋書きや仕組みを説明するときです。何が起こっているのかを文字通り聴衆に伝えるために対話を使用するのは魅力的ですが、それは不器用で不自然なものとして外れます。やむを得ない場合もありますが、対話での説明を最小限に抑えるためにあらゆる手段を講じる必要があります。
最良の結果を得るには、改訂してください。
よく発達した脚本を書くことは、主に改訂のプロセスです。多くの場合、新しい作家は、「フェードアウト」に達すると仕事が終わったと感じます。これは、ベテランの作家がプロセスの次の段階である改訂を開始するときです。作品を書き直すことをためらわないでください。プロの脚本家は、撮影の準備が整う前に、スクリプトのドラフトを1ダース以上作成することがよくあります。
プロジェクトの最初のドラフトは「嘔吐ドラフト」とも呼ばれます。つまり、何も妨げずに、すべてのアイデアをページに吐き出すだけです。取り出して書き留めてください。悪くても大丈夫です。改訂プロセスは、それを素晴らしいものに形作り始めるときです。自己編集に巻き込まれるのは簡単です。常に戻って言葉を微調整し、適切な言葉にするのですが、これは、物事を終わらせないようにする罠です。嘔吐物の下書きを書いてから、戻って修正してください！
嘔吐物のドラフトが完成したら、スクリプトを数週間取っておき、見ないようにすることをお勧めします。これはあなたの脳に休息を与えます。脚本に戻ると、新鮮な目で見ることができます。驚くべきことだと思っていたものが、今は機能していないように見えることに気づき始めます。
しばらく時間を取ったら、戻って2番目のドラフトを作成します。ここから、嘔吐物のドラフトを理解し始めます。ストーリーを伝えるために不可欠ではない部分を切り取り、着陸しなかった会話を作り直し、ストーリーを推進したりキャラクターを明らかにしたりすることで、すべての行が影響を与えていることを確認します。
フィードバック
スクリプトのドラフトをいくつか作成し、それを気に入った場所に置いたら、信頼できる人からフィードバックを得るときが来ました。あなたの作品を読む人を見つける1つの方法は、作家のグループを作ることです。数人の友人がお互いの作品を読んで批評します。受け取ったフィードバックは「メモの取得」と呼ばれ、機能しているものと機能していないものを確認できます。人々があなたのキャラクターが誰であるか、そして彼らが何を望んでいるかを理解しているかどうか調べてください。対話が説得力があり、各キャラクターが独自の声を持っているかどうかを理解しますか？批評を受け入れることが重要です。信頼できる情報源からの新鮮なフィードバックを武器に、次のドラフトを作成しましょう。
数ラウンドのメモとドラフトを組み込んだ後、スクリプトに自信を持ち始めます。次に、次のタイプのフィードバックがあります。テーブル読み取りです。これは、人々のグループにあなたのスクリプトを声に出して読んでもらうことを意味します。重複がほとんどない主要なキャラクターをカバーするのに十分な人数がいるのは良いことです。他の人に会話を読んでもらうことも役に立ちます。可能であれば、作家はまったく読むべきではなく、代わりに座って、実際の人々の口から出てくる言葉がどのように聞こえるかを聞いてください。このためのアクターにアクセスできる場合は、便利です。テーブルの読み取りは、スクリプトを実現するのに役立ち、改訂する必要のある部分がさらに明らかになります！
改訂の最終ステップには、リハーサルと、映画に出演する実際の俳優が含まれます。彼らがリハーサルをするとき、俳優は特定の言葉が彼らにとってうまく流れないことに気付くかもしれません、そして彼らは対話に微調整をしたいと思うかもしれません。一部の脚本家は俳優に変更を加えることに反対していますが、合理的な範囲内でそれを許可することは有益だと思います。文が不格好な場合は、俳優に同じポイントを伝える別の方法を見つけさせるが、より自然に感じさせると、より良いパフォーマンスを得るのに役立つ可能性があります。
結論
脚本は映画製作の基礎であり、対話は脚本の主要な要素の1つです。最初は、キャラクターの口に言葉を入れるのは大変なことかもしれませんが、これらのガイドラインを使用すると、それにひびを入れる準備が整います。映画製作のすべての部分と同様に、あなたがそれを行うほど、あなたはより良くなるでしょう。対話を個性に根ざし、ストーリーを前進させることに集中することを忘れないでください。