戦闘シーンは、事実上すべてのストーリーに興奮をもたらします。ただし、それらを動的なストーリーテリングデバイスにすることは、カメラを配置して俳優にそれを公にさせるほど簡単ではありません。適切な戦いの振り付けは非常に重要です。視聴者を魅了する信頼できる戦闘シーンを作りたい場合は、助けが必要です。
最初からの戦い
アクションシーンを成功させたい場合は、プリプロダクションの初期段階でアクションシーンの計画を開始する必要があります。振り付けの段階に入る前でも、いくつかの決定を下す必要があります。
スタイルを選択してください –プロジェクトでの戦闘の種類は、ストーリーによって異なります。そのため、サブジャンルを早期に決定する必要があります。街頭喧嘩から総合格闘技、より流動的な格闘技の達人まで、使用している戦闘スタイルがストーリーのトーンと一致していることを確認する必要があります。結局のところ、プロのサーキットにそれを作ろうとしている小さな喧嘩屋についての話は、おそらくマトリックススタイルの戦闘シーンでは意味がありません。
人を見つける – 1つの戦闘スタイルに落ち着くと、振付家の検索とキャスティングに役立ちます。その特定のスタイルに堪能な人を選んで、戦いに必要な信憑性を与えることができます。
予算の大きい映画には、俳優を訓練し、撮影前に数か月間戦闘の振り付けを計画するという贅沢がありますが、予算の少ないプロジェクトではそうではない場合があります。ですから、すでに広範囲にわたる訓練を受けている俳優を見つける方が良いかもしれません。
場所 –戦闘シーンの設定は、計画と振り付けに劇的な影響を与えます。路地裏の戦いのような単純なものでさえ、考慮すべき多くの要因をもたらします。キャラクターは、ゴミ箱、電柱、または路地に通常見られるその他の要素を利用しますか？武器として使用できるオブジェクト（パイプ、壊れたボトル、ゴミ箱など）はありますか？これらの質問への回答は、振り付けだけでなく、セットで必要となる小道具にも影響します。
関係者 –スクリプトを分解することの一部は、カメラの前と後ろのセットで誰が必要になるかを記録することです。小さな戦闘シーンでさえ、スタントの安全の専門家が周りにいることを保証します。武道家なら誰でも、人のスキルレベルに関係なく、事故が発生したことを教えてくれます。そのため、必要なチームメンバーがセットに含まれていることを確認する必要があります。
結果 –（スクリプトに基づいて）誰が勝つかを知るだけでなく、二次的な影響を考慮する必要があります。戦闘中にキャラクターが負傷した場合、ストーリーの後半、または将来の戦闘でキャラクターに影響を与える可能性があります。同様に、戦闘中に主要な小道具が破壊された場合は、そのポイントを超えてストーリーの継続性を確保する必要があります。
ファイトコレオグラフィーロジスティクス
概して、戦いの詳細は振付師に任せたいと思うでしょう。ただし、注意すべき4つの基本原則があります。ブロッキング、フロー、変動、および継続性です。各要素が連携して、視聴者が何度見ても（願わくば）魅力的な戦いを生み出します。
戦闘シーンの振り付けを考えるとき、バリエーションは非常に重要です。視聴者だけを退屈させるような繰り返しの戦闘シーンは必要ありません。流れ、ペースを設定し、継続的な戦いを保証します。ほんの数回の動きの後に停止および開始する戦いは緊張を欠き、視聴者に著しく不快感を与えます。海の波のようなあなたの戦闘シーンを想像してみてください。谷があります（対話のために減速します）が、戦いは絶えず構築され、頂点に達する前に激しさを増す必要があります。
振り付けの継続性とは、パンチとキックがショットからショットへと互いに続くようにすることだけではありません。また、重要なアクション間の切断を防ぐ必要があります。 1人のキャラクターが武器を手に取ったが、数回の攻撃の後、彼らは不可解にそれを落としたとしましょう。これは意味がなく、何らかの継続性の説明がなければ、視聴者を混乱させるだけです。
撮影の準備
振り付けを締めくくり、戦闘シーンの撮影に近づいたら、まったく新しい要素のセットを検討する必要があります。考えることはたくさんあり、撮影する戦闘のスタイルについて実用的な知識を持っていると役立ちます。したがって、振付師からいくつかの基本的なレッスンを受けると、すべてを撮影する方法を理解するのに役立ちます。できるだけ準備して撮影に入る必要があります。生活を楽にする方法をいくつかご紹介します。
練習、練習、その他の練習 –俳優は、戦闘シーンを可能な限りリハーサルする必要があります。撮影日が近づいたら、カメラ、照明、乗組員を配置してリハーサルを行います。可能であれば、衣装を着てリハーサルを行い、俳優が撮影条件に備える準備をします。
セグメントに分割 –戦闘シーンがどれほど長くても短くても、「休憩」を組み込むことをお勧めします。これにより、俳優が複数のテイクを行うのに疲れるのを防ぐことができます。途切れることのない5分間の戦いを何度も繰り返さなければならないことを想像してみてください。セグメントを使用すると、撮影を変更して連続性を再確認できます。また、後で使用するためのインサートやカッタウェイの撮影にも役立ちます。
明確なショットリスト –アクションシーンのショットリストを作成することは、大変な作業のように感じることがあります。特に、振り付けの一部によって、取得できるテイクの量が制限される場合があるためです。最後に必要なのは、編集ベイに行き、再現/キャプチャする方法がない瞬間に別の角度を望んでいることに気付くことです。カメラでリハーサルを行うと、ショットリストの作成に非常に役立ちます。
戦いを売る
選択する戦闘スタイルに関係なく、シーンにはリアリズムの要素が必要です。ワイヤーワークのカンフー映画（ヒーロー、クラウチングタイガー、ヒドゥンドラゴンなど）のより気まぐれな戦いでさえ、ヒットに現実的に反応します。どうすればあなたの戦いを観客に売り込むことができますか？
信頼できる反応 –「パンチを売る」最初のステップは、俳優とその戦い全体での彼らの反応にかかっています。カメラワークや編集の魔法を使っても、投げられる動きに合わない反応を修正することはできません（たとえば、俳優が頭や体を衝撃の方向と反対に投げるなど）。ムーブの配信に合わせて急いでいる場合でも、中央部への大物の後に曲がりくねった演技をしている場合でも、現実的な反応が重要です。振り付けのために行ってきたすべてのリハーサルのおかげで、セット自体について心配する必要はありません。
カメラ内 –フレーミングとカメラの動きは、パンチとキックの販売、および俳優の反応に大きな影響を与えます。直角にすると、実際には数インチ離れていても、動きが接触しているように見えます。カメラを動的に動かすと（たとえば、ヒットの力を強調するためのシェイク、スピードの錯覚を与えるためのクイックズーム、ヒットの流れを追跡するためのパン/チルト）、戦闘全体がより魅力的になります。
最適なカメラの動きを見つけるのは難しい場合があります。そのため、数回のリハーサル中にカメラオペレーターと機器を追加することが重要です。カメラの動きを試してみたり、練習用の映像を大まかに編集して、行きたいショットや動きを正確に把握したりすることもできます。
偶然ではありません
戦闘シーンについては偶然には何も起こりません。アクションシーケンスに即興はありません。最初から慎重に計画する必要があります。魅惑的な戦闘シーンの作成に関しては、研究と実践があなたの親友になります。プロセスの各フェーズを通じてこれらのコア原則を念頭に置いてください。そうすれば、気が付く前に信じられないほどのアクションシーンを作成できます。