連続性エラーは、視聴者の集中力を壊す最も簡単な方法の 1 つです。ポストプロダクションでの連続性の問題を解決する方法について話し合いましょう。
「継続」という言葉を聞いて何を思い浮かべますか?
ウェスタロスのテーブルに置かれたスターバックスのカップや、ヴェロキラプトルにやる気を出して前に進む手を思い浮かべるかもしれません。しかし、映画に関わる最も重要な技術的側面の 1 つは、連続性編集です。もちろん、これは、シーン内で時間的および空間的に意味のあるショットの後に別のショットが続く場合です。
さて、編集の連続性に関する失言に関して言えば、元の撮影から数か月後に再撮影が行われたために、大作映画のカット間に明らかな視覚的な違いがあることに気づいたかもしれません。映画の編集の継続性が損なわれる理由は無数にあります。しかし、ほとんどの場合、編集者は責任を負う人物ではありません。
支離滅裂な映像がすべて与えられた場合、制作上のトラブルや物流上の混乱により、編集者は地獄に陥る可能性があります。ただし、次の編集に取り組む前に、継続性について覚えておくべきテクニックとヒントがいくつかあります。始めましょう!
スクリプト スーパーバイザーと編集者
あなたはこう思うかもしれませんが、これらの明らかな不一致の問題が起こらないようにする責任を負う人は撮影現場にいないのですか？ ?
きっとあるでしょう。ほとんどの場合、脚本スーパーバイザーは、あるショットやシーンから次のショットやシーンへのすべての連続性が一貫していることを確認する責任を負います。したがって、具体的に言えば、彼らの仕事は、キャラクターが何をしているのか、シーン内で行われるすべての取材範囲のどこにいるのかに注意を払うことです。
これまでにセットに参加したことがあるなら、あらゆる場面がどれほど混沌として、無秩序で、ペースが速いかをご存知でしょう。脚本監督が時々うっかりミスをして、シーンの撮影中に何かが通り抜けてしまうのは当然のことです。
全体として、脚本スーパーバイザーは、撮影の間に起こる可能性のある衣装、小道具、スタイリング、セットの変更に注目しています。 バニティ フェア は数年前に、脚本スーパーバイザーの重要性に関する驚くべき例とその内訳を発表しました。以下をチェックしてください。
会話中にチーズバーガーを食べているキャラクターのことを考えてみましょう。 2 人の登場人物が会話を行ったり来たりしている間に、消費されるチーズバーガーの量がシーン全体で増減する場合を想像してください。ハンバーガーを一口食べてからほぼ食べ終わるまで、そしてまた戻ってくるまでを話しています。
目立つもののもう 1 つの優れた例は、タバコを吸っているキャラクターです。会話が始まり、キャラクターは会話の間、タバコに火をつけて吸います。シーンは、そのキャラクターが灰皿のタバコの火を消すところで終わります。
そこで、監督が俳優にシーンを 10 回実行させたとします。さて、そのシーンを10回撮影するのにかかる時間内に、彼らは1本以上のタバコを吸うことになります。したがって、会話全体でタバコの火が燃えている時間を順番に意味のあるテイク (できれば、使用可能なテイク) を選択する必要があります。
- 7 つの一般的な (そして回避可能な) 連続性エラー
映像で与えられるものはほとんど与えられています。しかし、この種の継続性は編集者の観点からのみ制御可能です。では、編集者として、他の分野でも一貫した継続性を確保するにはどうすればよいでしょうか?
さまざまな種類の継続性
さまざまな種類のカッティングができるのが楽しいところです。物理的な小道具、セットの装飾、ヘアメイク、ワードローブ以外にも、より技術的な種類の継続性があります。これらの要素には、視線、動きのあるカット、シーンの切り替えが含まれます。また、30 度や 180 度のルールを破って聴衆が混乱するのを防ぐこともできます。
- 180 度ルールを理解する（そして場合によっては無視する）
これらはすべて、編集時に役立つことです。 フェードインやフェードアウトなど、あるシーンから次のシーンに移動する方法はいくつかあります。
カットと動き
ただし、動画理論:生態学的考察によると、 J. D. アンダーソン &B. F. アンダーソン著、「編集境界の約 95% はカットであり、これは 2 つのカメラ フレームをつなぎ合わせたものです。」したがって、最もシンプルな形式のカットが、ストーリーを伝える最も重要かつ効果的な方法です。
アクションと動きをカットするとは、キャラクターが何らかのアクションを実行した後、あるショットから次のショットにカットすることを伴います。
男性が車に向かって歩き、ドアハンドルに手を伸ばそうとしたとします。彼の手がドアハンドルに触れた瞬間に、ドアを開ける彼の真ん中をカットして車に座っている彼だけにカットするのではなく、ドアを開ける彼の手をクローズアップしたショットにカットします。
レパートリーに追加できるさまざまな種類のカットの詳細については、以下のすべての編集者が知っておくべき 9 つの重要なカットに関するチュートリアルをご覧ください。
アイラインを合わせる
視線の一致は、2 人のキャラクターが会話していることを非言語的に伝えるため、非常に重要です。
これが意味するのは、画面外で右を向いているキャラクターのショットを含める場合、一貫した連続性を持たせるには、画面外を向いている 2 番目のキャラクターまでカットする必要がありますが、左側 (最初のキャラクターに戻ります) にカットする必要があるということです。
この空間的な連続性は、おそらく映画製作における最も特異な重要なルールの 1 つです。これにより、すべてが私たちの目に自然に見えるようになります。
30 度および 180 度のルール
方向について言えば、シーンをカバーするときにカメラが目に見えない 180 度の線を横切ってはいけないという 30 度および 180 度のルールを考えてみましょう。これにより、視聴者は、登場人物たちが互いの関係や周囲の環境との関係でどのような位置にいるのかを確実に理解できるようになります。
30 度未満または 180 度を超える次のショットにカットすると、視聴者は方向感覚を失い、何か違和感を感じます。私たちが話していることの良い視覚的な例は、Film Riot からのもので、ルールに従う方法を正確に説明する優れたトップダウンの角度が含まれています。
編集に取り組む方法
連続性編集の最も単純な形式は、観客がシーン内で何が起こっているかを、明確なショットからショットへの連続的な進行から確認する必要があるという考えに基づいています。キャラクターの基本的な動き、セリフ、空間的な位置について混乱してはいけません。
- ストック映像を使用する際に連続性を生み出す方法
モンタージュは、編集するのに最も楽しいタイプのシーンの 1 つです。おそらく、キャラクターが何らかの形で進行していく様子を、長い時間にわたって、または急速に起こっているように見せる大量の映像を取得することになるでしょう。つまり、これは、学校の準備をしている子供のモンタージュを編集していることや、学年を通じてバスケットボールの遊び方を学んでいることを意味している可能性があります。
シーンを編集するときは、ショットが必要なタイムラインに従っていることを確認してください。秋のショットから夏のショットにカットし、その後冬のショットに戻すのはやめましょう。編集がバラバラに感じられるとしても、視聴者がストーリーを信じるためにはその連続性が必要です。
不連続編集とは何ですか?
しかし、中断は必ずしも悪いことではありません。たとえば、フラッシュバックは、過去の登場人物の視点を通じて現在何が起こっているかを説明することで、物語を前進させる非常に効果的な方法です。
編集に関しては、どこまでをカットするかに注意してください。たとえば、会話やアクションに入る前に、視聴者にすぐに状況を伝える場所や場所の確立ショットにカットします。過去のオブジェクトや場所までカットしてから、シーンの先頭までカットします。
ショットと B ロールの確立は編集者の親友です。決して当たり前のことだと思ってはいけません！
この不連続性は、観客を誤解させる巧みな方法でもあります。キャラクターが混乱していたり、方向感覚を失っていたり、制御不能になっている場合には、このアプローチが適している可能性があります。
時間と空間を急速に前後にカットすることは、視聴者をストーリーから引き離さない方法でカオスを表現するための優れた方法です。実際、特に確立ショットや黒い画面へのカットなど、視聴者を再び中心に戻す方法でこのシーケンスを終了する場合、これはストーリーに非常に効果的です。
エスタブリッシュメントショットが何度も登場していることに気づきましたか?これらは、すべてをリセットまたは再接地するための優れた方法です。
並列編集の技術を習得する
並行編集とは、2 つのキャラクターまたは場所の間を同時にカットすることです。これは、視聴者が見ている映画の世界で起こっているアクションを示す楽しい方法です。これにより、他のキャラクターがお互いの関係でどこで何をしているのかについてのコンテキストも視聴者に提供されます。
このタイプのアプローチで編集上の決定を下すときは、視聴者が誰の物語が展開しているのかを正確に理解できるように、常に「新しい」シーンの背景を示すようにしてください。
継続性のもう 1 つの形式は、編集への一貫したフローを見つけることです。たとえば、一貫性のないカットのせいで視聴者がストーリーから投げ出されることは決して望ましくありません。キャラクターがセリフを言っているショットを残す場合は、反対側のキャラクターにカットして、言われた内容に対して彼らがどのように反応するかを示します。
その反応に切り込んだら、非言語であろうと言葉であろうと、何が伝えられているのかを聴衆に理解する時間を与えるようにしてください。キャラクターが早口で話しているところをカットバックしないでください。
適切なタイミングを確保するための最良の方法は、シーンを編集し、客観的な視聴者としてもう一度見ることです。何がそうではないかの優れた例が必要な場合は、以下のビデオをチェックしてください。 すること。
重複編集とは何ですか?
この連続性編集スタイルは主にアクション シーンで使用され、特定の瞬間またはアクションを強調します。起こっているアクションを追って、すぐに同じアクションの別のカメラ アングルに切り替わります。
視覚的に言うと、奇妙で不快なものになるように思えます。しかし、苦労して現場に放り込まれると、それは当然のことになります。同じアクションが 2 回行われているのを見たことにさえ気づかないかもしれません。
このチェイスシーンはミッションインポッシブル 2 からのものです。 は、このタイプの編集の好例です。
結論
継続性編集では、計算や精度よりも感覚や直感が重視されます。編集するシーンは、ストーリーの文脈で意味があり、視聴者を疎外させることなく引きつけ続けるような流れにする必要があります。
カット間でキャラクターが正しい方向を向いているかどうかを確認する場合でも、アクションのカットを忘れないようにする場合でも、編集はストーリーを一貫して伝える上で重要な役割を果たします。
映画制作の他の側面と同様、ゴールラインに到達するには外部の意見や声が必要なグループ作業であることを忘れないでください。場合によっては、第 2 の目がビデオ編集者として受けられる最大の助けになることがあります。
カバー画像はファビオ パガーニによる .
その他の編集テクニックについては、以下のリストをご覧ください。
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