撮影監督（写真監督、DPまたはDOP）は、映画、テレビ制作、ドキュメンタリー、ミュージックビデオ、またはその他の種類の映画作品の録画を担当します。基本的に、スクリプトを使用可能なフッテージに翻訳するのは彼ら次第です。彼らの主な目標は、構図、照明、ギアの選択、カメラの設定、および被写界深度、ズーム、フォーカス、色、露出、フィルタリングなどの他の手段を通じて、監督のビジョンを捉えることです。
撮影監督の主な役割と責任のいくつかを見てみましょう。
映画の視覚スタイルを決定します
撮影監督は、監督や他の部門長と協力して、映画の視覚的なスタイルと感触を決定します。撮影監督と監督の関係はさまざまな形をとることができます。監督の中には、撮影監督に芸術的な自由を与える人もいれば、すべての決定を監督する人もいます。編曲に関係なく、撮影監督は常に監督のビジョンに答えます。
たとえば、ロサンゼルス生まれのジョーダンクローネンウェスが撮影した、リドリースコットの絶賛されたカルト映画「ブレードランナー」（1982年）では、クローネンウェスはスコットと協力して、彼が映画に求めていたスタイルを実現しました。
クローネンウェスは、次のように説明しています。「リドリーは、「市民ケーン」の写真のスタイルが、ブレードランナーに求めていた外観に最も近いと感じました。これには、とりわけ、高コントラスト、異常なカメラアングル、光軸の使用が含まれます。」
映画の未来的な美学を実現するために、クローネンウェスはセット全体に多くのネオンライトを配置しました。彼は、ショーウィンドウ、バス、さらには人々の傘のシャフトなど、可能な限りそれらを配置しました。彼はストリートシーンを照らすのを助けるためにいくつかのオフカメラを置いた。
レンズの選択
映画監督のシドニー・ルメットがかつて言ったように、「レンズが異なれば、物語も違ったものになります」。撮影監督が撮影するレンズの種類と焦点距離は、シーンの全体的なルックアンドフィールに影響を与えます。レンズを選ぶとき、彼らは私たちがミリメートルで測定する焦点距離を見ます。一般的な広角レンズには、18mm、24mm、27mmがあります。人々は50mmレンズを「標準」と見なしており、多くの人はそれが人間の目で見られるものと等しいと信じています。これらのレンズは、シーンがどこにあるのか、誰がその中にいるのか、そして彼らの周りに何があるのかを観客に知らせるのに役立つため、多くの監督や撮影監督の間で人気があります。通常、より多くの画像に焦点を合わせて、より多くの背景を見ることができます。
一般的な長い焦点距離には、85mm、100mm、135mmがあります。レンズが長いと背景が圧縮され、被写界深度が浅くなることがよくあります。撮影監督はそれらを使用して人を隔離し、視聴者の視線を特定の被写体に集中させます。
撮影監督は監督と協力して、撮影するシーンに最適な焦点距離を決定します。
構成とフレーミング
撮影監督は、監督のビジョンを実現するために最適なカメラの種類、カメラレンズ、カメラアングル、カメラの動きを決定する責任があります。
スパイク・リーの「ドゥ・ザ・ライト・シング」（1989年）は、リーの長年の協力者であるアーネスト・ディッカーソンによって撮影されました。ディッカーソンは、ローアングルショットとハイアングルショットのいずれかを実行することで、キャラクターの力または無力さを強調しました。彼は、ローアングルから撮影することで、映画の実物大のキャラクターであるラジオラヒームの力を倍増させました。同様に、ディッカーソンは映画のピザ屋のオーナーであるサルを高い角度から撮影して、彼の重要性を低く感じさせました。
映画が公言し、緊張が高まる中、ディッカーソンは間もなく戦うキャラクターをダッチアングルで撮影し、視聴者に混乱、恐怖、怒りを感じさせます。
照明
撮影監督はセットのカメラを操作すると同時に、セットの照明も監視します。大規模なセットの撮影監督は、照明技術者と呼ばれる電気部門の責任者と緊密に連携して、光を作成、操作、制御して、目的のムードを作り出します。
撮影監督がフィルムをどのように照らすかは、フィルムのルックアンドフィールに大きく影響します。たとえば、1972年に「ゴッドファーザー」に取り組んだとき、撮影監督のゴードンウィリスは、当時の他の映画とは異なる方法で映画を照らすことにしました。当時のほとんどのスタジオは、歴史上、この時期に均一に照らされたシーンで映画をびしょ濡れにしました。ただし、キャラクターは、クローズアップの場合、目を強調するために顔全体にアイライトを当てることがよくありました。このテクニックは彼らの感情をはっきりと示しました。ウィリスは反対の方向に進み、これらのギャングの足の裏の暗い面を示すために影を塗りました。彼は、ハイライトまたはサイドライトを使用して、キャラクターの目や顔の半分を隠すためにシャドウを作成しました。
そのスタジオは影と暗闇の使用に恐怖を感じていたため、この映画はほとんど日の目を見ることができませんでした。皮肉なことに、この映画は3つのアカデミー賞を受賞し、これまでで最も収益の高い映画の1つになりました。
リハーサルに参加する
撮影監督は、監督と俳優とのリハーサルに参加して、キャラクターがシーン内を移動し、環境とどのように相互作用するかというブロッキングを理解します。また、シーンのステージング（ブロッキングに関連する配置とカメラの動き）も計画します。撮影監督、監督、俳優は、監督のストーリーを伝えるための最良の方法を見つけるために、複雑なダンスを踊ることがよくあります。
この複雑なブロッキングとステージングの優れた例は、Martin Scorseseの「Goodfellas」（1990）のシーンで見ることができます。 3分間のシングルテイクのステディカムショットであるヘンリーヒル（レイリオッタ）は、デートのカレンフリードマン（ロレインブラッコ）をコパカバーナナイトクラブの裏口から、階下、複数の暗い廊下、混沌としたキッチンからクラブの内部へと導きます。ここでメートル・ドテルは、ギャングと彼のデートのためにクラブの前にテーブルを運ぶようにウェイターに命じます。キャラクターの顔またはエクストラの顔を見る必要があるたびに、照明は完璧です。エクストラは、移動するカメラと俳優が目的地に向かうときに、それらの間を絶えず噴射します。非常に魅力的です。
「そのコパショットは今でも映画ファンの間で有名であり、何千人ものステディカムオペレーターにとって伝説的であり、正当な理由があります。それは完璧です！」ステディカムの撮影監督兼発明者であるギャレットブラウンは、ステディカムのオペレーターであるラリーマッコンキーの「コパショット」について語っています。
使用するアスペクト比の決定
撮影監督は、どのアスペクト比で映画を撮影するかについて監督と話し合います。アスペクト比という用語は、画面イメージの水平方向と垂直方向の間の数学的関係を表します。現代のテレビに使用されている比率は16×9です。これは、幅と高さの比率が常に1.78対1になることを意味し、通常は1.78：1と表記されます。これは今日最も一般的なアスペクト比かもしれませんが、それだけではありません。 「2001年宇宙の旅」（1968年）は2.20：1の比率で撮影され、「西部開拓史」（1962年）は2.59：1で撮影されました。 「BenHur」（1959）は、アスペクト比2.76：1でさらに広くなりました。
ウェスアンダーソンは、「グランドブダペストホテル」（2014年）でさらに一歩進んだ。アンダーソンは、映画のタイムラインごとに特定のアスペクト比を採用することにしました。この映画は1932年にアスペクト比1.37.1で始まります。 1968年のシーンは2.35：1で撮影され、現代のシーンは1.85：1の比率でフレーム化されました。
撮影監督の責任は無限大です
撮影監督の責任は広大で多様です。ショットサイズ、絞りの決定、フォーカスの選択など、いくつかについては触れていません。本を読んだり、YouTubeのビデオを見たり、映画学校に通ったりすることで、撮影監督の多くの役割について学ぶことができます。また、カメラ部門の階層を上に向かって作業することで、過去100年以上にほとんどの撮影監督が学んだ役割について学ぶこともできます。