1。計画とストーリーテリング：
* あなたのストーリーとシーンの目標を知ってください： ビジュアルについて考える前に、シーンで達成したいことを理解してください。 どんな感情を呼び起こしたいですか？ どのプロット情報を伝える必要がありますか？ キャラクターの内部状態は何ですか？
* 強い物語構造： よく構築されたシーンには、明確な始まり、中央、および終了があります。全体的なプロットまたはキャラクター開発に貢献するはずです。
* サブテキストと視覚的メタファー： 視覚的な要素を使用して、対話で明示的に述べられていないものを伝えます。閉じたドアは隔離を表すかもしれません。ちらつきのろうそくは、衰退する希望を意味するかもしれません。
* ペーシング： シーンのリズムを制御します。 ペーシングが遅くなると、緊張が生じたり、静かな瞬間を強調したりできます。 速いペーシングは、興奮や緊急性を構築できます。
2。構成とフレーミング：
* 3分の1のルール： フレームを2つの水平線と2つの垂直線で9つの等しい部分に分けます。これらの線に沿って、またはそれらの交差点に重要な要素を配置すると、より視覚的に魅力的でバランスの取れた構成が作成されます。
* 先行回線： 線（道路、フェンス、川など）を使用して、視聴者の目を主要な主題に導くか、深さの感覚を作り出します。
* ネガティブスペース： 被験者の周りの空の領域は、孤立、広さ、または期待感を生み出すことができます。
* フレーム内のフレーミング： フォアグラウンド（窓、出入り口、アーチ）の要素を使用して、被写体をフレーム化し、深さとコンテキストを追加します。
* 対称性と非対称性： 対称性は、秩序感と安定性を生み出すことができます。非対称性は緊張と視覚的関心を生み出すことができます。
* 前景、中央、背景： これらのレイヤーを使用して、深さと視覚的な関心を生み出します。
* カメラの角度：
* 視線レベル： ニュートラル、関連性。
* 高角度： 被験者を脆弱または小さいように見せます。
* 低角度： 被写体を強力に見せたり、印象的にしたりします。
* ダッチアングル（傾斜）： 不安、見当識障害、またはカオスの感覚を作り出します。
* オーバーショルダー（OTS）： 2つの文字間の関係を示しています。
3。照明：
* 3点照明： キーライト（メインライトソース）を使用した標準の照明セットアップ、光を埋める（影を柔らかくする）、バックライト（被写体を背景から分離する）。
* 自然光： 自然光を使用して有利に使用しますが、時刻と気象条件に注意してください。リフレクターは、光を跳ね返し、影を埋めるのに役立ちます。
* 人工光： さまざまなタイプの人工光（タングステン、蛍光、LED）を試して、さまざまな気分を作り出します。
* 色温度： 暖かい光（黄色がかった/オレンジ）は、居心地の良いまたはノスタルジックな感覚を作り出すことができます。クールな光（青みがかった）は、冷たさや不安の感覚を作り出すことができます。
* ハード対ソフトライト： ハードライトは厳しい影を作成し、柔らかい光はより拡散した影を作成します。
* シルエット： 被験者をバックライトして、暗いアウトラインを作成します。
* chiaroscuro： 光と暗闇の間の強いコントラストを使用して、劇的な効果を生み出します。
4。カメラの動き：
* 静的ショット： 安定性や観察の感覚を作成できます。
* パン： 固定軸上のカメラの水平方向の動き。
* ティルト： 固定軸上のカメラの垂直動き。
* ズーム： レンズの焦点距離を変更して、被験者をより近くまたは遠くに見せるようにします。
* dolly（トラッキングショット）： カメラは、被写体に続いて、または環境を明らかにして、トラックまたはドリーで動きます。
* クレーンショット： カメラはクレーンの上で垂直に移動し、幅広い視点を可能にします。
* ハンドヘルド： 即時性とリアリズムの感覚を作り出します。 （控えめに、制御して使用してください！）
* staidicam： オペレーターが歩いたり走ったりしている間、滑らかなカメラの動きを提供します。
5。サウンドデザイン：
* ダイゲットサウンド： シーン内から発生するサウンド（対話、効果音、ラジオからの音楽など）。
* 非ディゼットサウンド： ポストプロダクションで追加されるサウンド（楽譜、ナレーションなど）。
* サウンドエフェクト： サウンドエフェクトを使用して、シーンのリアリズムと影響を高めます。
* フォーリー： スタジオで毎日の音を録音することでサウンドエフェクトを作成します。
* 雰囲気： シーンの背景ノイズ（風、交通、鳥など）。
* 沈黙： 音の欠如は、音と同じくらい強力です。
6。編集：
* アクションの切断： シームレスなフローを作成するための動き中のショット間の遷移。
* モンタージュ： 特定の気分を圧縮したり、伝えたりするために使用される短いショットのシーケンス。
* クロスカット（並列編集）： 同時に起こっている2つの異なるシーン間でカットします。
* ジャンプカット： 耳障りな効果を作成するショット間の突然の移行。 （意図的に使用）
* l-cutおよびj-cut： あるショットから次のショットに出血し、よりスムーズな遷移を作成します。 最初のショットからのLカットオーディオは、セカンドショットに続きます。セカンドショットからのJカットオーディオは、視覚的なカットの前に始まります。
7。視覚効果（VFX）：
*リアリズムを強化したり、不可能なシナリオを作成したり、視覚的な才能を追加したりするために使用されます。 微妙な強化（例：傷の除去）から完全なCGI環境まで。
「映画の」外観を達成するための重要な考慮事項：
* アスペクト比： より広いアスペクト比（例：2.39：1または2.35：1）を使用して、より映画のような外観を作成することを検討してください。 これは、ポストプロダクションでのトリミングによって達成できます。
* フィールドの深さ： 浅い被写界深度（画像のごく一部のみが焦点を合わせている場合）を使用して、被写体に注意を引き、背景から分離感を生み出すことができます。 これには、より広い開口部を使用する必要があります（fストップ数が低い）。
* カラーグレーディング： ポストプロダクションで映像の色を調整して、特定のムードまたは美学を作成します。
* レンズの選択： 異なるレンズは異なる視点を作成します。広角レンズは距離を誇張し、シーンをより大きく感じることができます。望遠レンズはスペースを圧縮し、被験者を近くに見せます。
* 解像度とフレームレート： 4Kは一般的ですが、解像度は *唯一の要因ではありません。フレームレートを考慮してください-24fpsは従来の映画のフレームレートです。
* 生産デザインと衣装： シーンの全体的なルックアンドフィールは非常に重要です。一貫したカラーパレット、本物の小道具、適切に設計された衣装はすべて、映画のような体験に貢献します。
重要なメモ：
* 練習と実験： これらのテクニックを学ぶ最良の方法は、練習して実験することです。 テスト映像を撮影し、映画を見て、映画製作者がこれらの要素をどのように使用するかを分析します。
* ルールを破る： ルールを理解したら、それらを破ることを恐れないでください。 時には、最も記憶に残るシーンは、慣習に反するシーンです。
* 少ないことは多くの場合： あまりにも多くの映画のテクニックを1つのシーンに詰め込もうとしないでください。いくつかの手法を効果的に使用して、希望する効果を実現することに焦点を当てます。
* テクノロジーは「Cinematic」：を保証しません 基本的な機器を備えた説得力のある映画のようなシーンを作ることができます。焦点はストーリーテリングと構成にあるべきです。
これらのテクニックを習得し、思慮深く適用することで、視覚的に見事で、感情的に魅力的で、本当に映画のようなシーンを作成できます。幸運を！