編集理論入門書

映画の初期の頃、映画が新しくなったとき、誰もそのジャンルの選択肢と限界をはっきりと認識していませんでした。カメラは、アクティビティをキャプチャするのに最適な位置に配置されてから、電源がオンになりました。しかし、撮影監督は、カメラが観客を混乱させることなく、複数の視点を提供できることにすぐに気づきました。カメラを動かすことができ、無関係な瞬間を落とすことができます。時間と空間の両方を圧縮することができます。しかし、何が機能し、何が機能しなかったのでしょうか。何が正しく感じられたのか、そしてその理由は？編集理論の進化と、それが今日私たちにとって何を意味するのかを見てみましょう。

編集理論の進化

ジョルジュ・メリエスは初期の映画撮影監督兼理論家でした。多くの人が彼を「ストップトリック」を発見したことで認めています。このトリックでは、カメラを停止し、何かを変更して再起動することで、オブジェクトが現れたり消えたりするように見せます。彼はまた、フレームの手描き、多重露光、タイムラプスなどの他のテクニックも試しました。彼はまた、映画が一連のタブロー、またはシングルショットでキャプチャされた完全なシーンを使用して、より長いストーリーを形成できると固く信じていました。「リンクされたタブロー」とは、イベントをつなぐために進行中のシーンのことです。彼の1898年の短編「月世界旅行」には、これらのアイデアが組み込まれています。このコンセプトに基づいて構築されたのは、エドウィンS.ポーターのようなアーティストで、同時に複数のストーリーを語り、それらの間を横断して、より大きな包括的なプロットを形成することを学びました。 1903年の短い「大列車強盗」では、同時アクションを使用して、2か所で同時に起こっていることを示しています。

1910年から20年までに、映画のバグはヨーロッパとアジアに広がり、特にロシアで大規模な動きを引き起こしました。レフ・クレショフと彼のような他の人々は、シーンをより小さなショットのモンタージュに分解しました。これにより、視聴者は一度にさまざまな角度からアクションにアプローチできるようになり、最大の洞察を得ることができました。クレショフは、計画されたショットの並置によって観客を感情的に操作できることを発見しましたが、情報がどのように提示されるかによって、個々のショットの認識も変化しました。視聴者は、男性の顔の外観を、その隣に配置されたショットに応じて異なる方法で解釈します。これをクレショフ効果と呼びます。

Vsevolod Pudovkinは後に、本質的に5種類のモンタージュが可能であり、それぞれが視聴者に異なる意味を与えると仮定しました。これらは次のとおりです。視聴者がそれらを比較するためのコントラストまたは劇的に異なるショットに対するショットの結合のためのカット、視聴者が両方のインスタンス間の接続を描画するように、あるショットまたはシーンを類似した要素を持つ別のショットまたはシーンと接続する並列処理のためのカットあるショットのアイテムまたは感情を使用して、別のシーンのアイテムまたは感情を説明、強調、または明確化するシンボリズム、同時性。同時に発生する2つのイベントが絡み合っており、ライトモティーフまたは関連する概念を切り取って、その中にテーマが浮かび上がります。彼の映画「母」（1926年）は、これらの理論を説明するためによく使用される重要な古典です。

この時点で、ショットを並べて配置するだけでなく、編集する方が意味があることは明らかです。セルゲイ・エイゼンシュタインは、ショットとシーンにはそれぞれ独自のアイデア、概念、感情が含まれていると主張していますが、戦略的に相互に配置すると、視聴者は3番目のまったく新しい意味を推測できます。彼が知的モンタージュと呼んだこの概念は、1925年に彼が作成した「戦艦ポチョムキン」によってよく表されています。

これらの芸術的なロシアの仮定とは対照的に、別の哲学的運動は主にフランスとイタリアで行われ、真の文脈に近づくための最良の方法は、視聴者がより現実的な視点から結論を引き出すことができるように、干渉なしに可能な限り多くを示すことであると主張しました。理論家で批評家のアンドレ・バザンはこの運動の一部であり、モンタージュとは根本的に対照的な編集アプローチであるロングテイクを固く信じていました。彼のアプローチは、カメラが本質的に中立的な視聴者の目として機能し、それでも映画製作者の意味を描写する必要があることを意味しました。フランソワ・トリュフォーの「大人は判ってくれない」（1959年）は、この哲学を代表するものです。今日はそれほど人気がありませんが、それは確かに有効なアプローチであり、多くの場合に非常に効果的に使用されています。ガスヴァンサントのような監督によって開拓されたスローシネマの動きを考えてみてください。確かに、それはあらゆるもののミュージックビデオでもよく見られます。そこでは、シングルショットの概念が、猛烈な勢いで古いものを切り刻むことに対する反逆としてほとんど使用されてきました。

これらの概念は、最も現代的な編集理論の主要な、そしておそらく頂点をカプセル化します。目的の感情的でやる気を起こさせるコンテンツを作成するために、どのショットを並べて配置するかを決定しようとしている間、両方とも、前のショットからのアクションを継続または対比すると同時に、正確なフレームを見つけようとしています。全体像から何が導き出されるかを考えます。ジャンプカットはあなたの聴衆を興奮させますか、彼らを不安にさせますか、それとも単に彼らを混乱させますか？全体的なストーリーと作品のテーマは、ゆっくりとした瞬間の直後にアクションシーンを配置するか、それらの間にインターカットすることによって最もよく提供されますか？これらの方法のいずれかを使用して送信されるメッセージは何ですか？これらは、ポストプロダクション中に継続的に対処する必要がある質問です。

実際の編集理論

現代の慣習では、それぞれのスタイルを使用するのに適切な時期があると言われています。 2人が歩いて話しているときの、部屋のワイドショットから始めましょう。会話の途中で、誰かがバックグラウンドでテーブルから銃を手に取り、他の人を撃ちます。次に、悪役が自分で飲み物を作り、警官が現れて彼を逮捕するまで座っているのがわかります。あなたは後で口頭の解説を通して誰かが全部を見ていたことを知り、彼は彼が見られたことを知っていたので彼はあきらめました。これは有効なアプローチですが、視聴者は少しだまされていると感じるかもしれません。それほどエキサイティングではなく、映画的には機能しません。

代わりに、モンタージュを少し編集してみましょう。キャラクターが話しているのが再び見えます。次に、挿入ショットを使用して、射手が見下ろしているときに、射手の目のシーンにすでに存在するものを呼び出します。やる気のあるカット（使用する視覚的または音声的なインセンティブがあるカット）を使用して、アイテムとその場所を示します。これはテーブルの上の銃です。詳細を確認するために使用されるクローズアップショットは、テーブル、銃、およびその背後にある悪役の脚を示しています。このテーブルは、彼が隣に立っているまさにそのテーブルです。したがって、私たちは理解と緊張の両方を構築しました。しばらくの間、ワイドに戻って、迫り来る紛争への期待をゆっくりと築きましょう。 perp。銃を振り返る。この外観を使用して、双眼鏡を調べている外部の観察者のテーマに一致するショットに移動します。「視覚」と「見る」がテーマに変わりました。

この断面図は、シーンの外で何が起こっているかを示しています。次に、視点ショットは、視聴者が見ているものを視聴者に示します。それは部屋の外の窓であり、犠牲者はちょうどそれに渡ったところです。次に、マッチカットのある部屋のワイドショットに戻り、あるショットから次のショットへの動きを調整し、犠牲者がちょうど窓際で休んでいるのを確認します。彼らは外を見ています。

今すぐペースを上げて、限界点まで緊張を高めましょう。皮肉なことに注意してください。時間を延長することでシーンをスピードアップします。ここでは、リアルタイムとスクリーンタイムはかなり異なります。テーマ別のモンタージュを使用して、シーンをまとめます。 perp。銃を振り返ります。犠牲者は窓の外を見上げます。双眼鏡の視点は、彼女が盗撮を正しく見ていることを示しています。盗撮者は接眼レンズを通して振り返ります。今度は、3人のキャラクターで行われているすべてのことを一瞬で表示するための並列編集を行います。犠牲者は連れ戻され、彼女の仲間が窓際で彼女に加わるように手を伸ばします。 perp。うんざりして銃に手を伸ばす。盗撮はパニックになり、彼らの手は電話に手を伸ばします。銃が消えます。リンギング音が聞こえ、犠牲者はゆっくりと床に倒れます。シーンの残りの部分は緊張を解き、ストーリーを解決する必要があります。

私たちは、警察署の呼び出し音と警官がそれを拾うときに、電話の別のやる気のあるカッタウェイを使用します。射手が犠牲者の上に立っている外の窓に戻って、窓の外を見て、監視者に気づきます。ウォッチャーは携帯電話を手に持っています。射手は自分が捕まったことを知っており、自分の運命を決意します。次に、注がれている飲み物にカットし、犠牲者から落ちた最後の涙と一致させます。これは、ショットがより大きな意味を表す知的モンタージュであり、すべての人にとってそれがすべて終わったことを私たちに知らせます。最後に、シーンをクロスディゾルブまたはショット間でフェードして終了し、時間が経過したことを示します。警察は銃撃者に手錠をかけ、彼を導き出している。

このシーンは、モンタージュスタイルのカッティングを使用することではるかにうまく機能しました。では、長い時間はどうですか？それはいつ適切でしょうか？ 1つのショットでもう1つのシーンを使用しましょう。手錠をかけた手から始めましょう。彼らがカメラから離れると、それが私たちのシューティングゲームであることがわかります。彼が光のプールの内外を歩いたり歩いたりするとき、私たちは彼の顔を追います。彼が歩くと、彼の表現は厳しい中立から悲しみと孤独、隔離へと変わります。最後に彼は向きを変え、ドアが閉まっている独房に連れて行かれるのを見る。警備員が立ち去り、カメラも立ち去り、囚人が独房に閉じ込められたまま遠くに消えていくにつれて、カメラがたどった道に戻ります。必要なことをすべて伝え、必要なすべての感情を1回のショットで伝えました。その長さは、シーンのテーマを強調しています。孤立、孤独、これからの「長い時間」。ここで複数のショットを使用することもできましたが、やり過ぎだったでしょう。

モンタージュとロングテイクは基本的に反対ですが、相互に排他的であると見なされるべきではありません。編集者は、それらを効果的に組み合わせることが可能であり、場合によっては役立つことを認識する必要があります。これが編集理論の核心です。「なぜ」編集が機能するのかを理解すると、どのように本能的になり、カットが正確になり、意味が明確になり、聴衆がプレゼンテーションにさらに引き込まれます。

サイドバー：現代のマスター

エドワード・ドミトリク（1908 – 1999）は、映画業界の編集と監督の伝説と見なされており、彼の著書「映画編集について」は、今日のほとんどの映画学校で必読と見なされています。その中で彼は、ショットを編集するのに最適な場所は1つだけであると仮定し、フィルム編集の7つのルールを提示しています。彼がビデオではなく映画の編集に焦点を合わせていたのは事実です。したがって、彼の発言のいくつかは今日、他の発言よりも重要ではありません。それでもなお、彼の理論は編集において不可欠な知識であると考えられており、実際、この記事で説明したアイデアにシームレスに統合されています。

Peter Zunitchは、ニューヨークで働く受賞歴のある編集者です。