動画編集の 50 のヒント これに続くものは、長年のビデオ編集、何時間もの研究、数え切れないほどの間違いからの学習の成果です。これらのヒントをご自身の編集プロジェクトに適用して、作業の質を向上させ、スピードと効率を高めることができることを願っています.
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楽しんでください！
1.適切なペースを維持してください。早すぎると相手を失い、遅すぎると飽きてしまいます
原則として、シーンのカットは遅すぎるよりも速すぎる方がよいでしょう。聴衆を退屈させることほど悪いことはありません。とはいえ、シーンの再生速度が速すぎて人々を混乱させるのは僅差です。
2.何がシーンを動かしているのかを判断し、それを編集することから始めます
何かを編集し始めるときは、どの要素がそれを前進させるのかを理解し、それを作品のバックボーンとして使用します。ある時は音楽のリズムだったり、ある時は会話だったり、ある時は一連のショットだったり、ある時は数秒ごとに時を刻む時計の挿入ショットのようなモチーフだったり。それが何であれ、最初に「ドライバー」をタイムラインに配置し、残りの編集プロセスに通知させます。
3.リアクションショットを使う
リアクション ショットは、特定のイベントについてキャラクターが考えたり感じたりすることを示すだけではありません。また、恐怖、ショック、欲望など、視聴者自身が何を感じるべきかを示唆しています。時折の観客のリアクション ショットをカットせずに、リングで 2 人のボクサーがスラッギングをしている映像だけを映した場合、視聴者は絶え間ないアクションにすぐに圧倒されるか、単純に無関心になります。
どちらも良くありません。これは、コメディー、ホラー、その他考えられるほぼすべてのジャンルに当てはまります。
4.退屈を防ぐために時間を圧縮
誰かが部屋をずっと歩いたり、階段を上ったり、食事を丸ごと食べたりするのを見たいと思う人はいません。さまざまなカメラ アングルを切り替えて時間を短縮し、アクションをより迅速に完了します。
5.劇的な瞬間、ジョーク、ちょっとしたアクションなどを強化するために時間を延長します。
ある瞬間が非常に興味深い、重要である、または強力であるため、少し引き延ばすことが理にかなっている場合があります。異なるカメラ アングル間のカットが時間を短縮できるのと同じように、時間の延長にも使用できます。同じイベントを複数の角度から表示すると、実際にかかった時間よりも長く効果的に再生できます。これの良い例は、打席に足を踏み入れてホームランを打った野球選手かもしれません。イベント全体の時間と興奮は、バッター、彼の表情、ピッチャー、群衆、およびピッチ、スイング、ヒットのさまざまな角度のさまざまなショットを使用することで拡張できます. 「リアルタイム」でプレイするよりもはるかにエキサイティングです。
6.ストーリーとキャラクター アークを覚えておいてください
映画全体でキャラクターのセリフやテイクを編集および選択するときは、何が起こったのか、現在起こっているのか、まだ起こっていないのかを常に覚えておいてください。キャラクターの成長が物語を通して適切に流れていることを確認してください。
たとえば、キャラクターが映画のイベントを通じてその特性をまだ発達させていないときに、キャラクターがあまりにも自信を持っているように見せたくない.ストーリーの流れとキャラクターの成長を追跡するのに少し助けが必要な場合は、フィルム編集のヒントをいくつか紹介します。作業中のキャラクターと一緒にカットしたすべてのシーンを見つけます。映画に登場する順番に並べて並べて見てください。このようにして、映画全体を見なくても、キャラクターの進行と発達を非常に速く見ることができ、発達の順序が理にかなっているのか、または調整する必要があるのか をすぐに知ることができます.
7.カットし続ける
タイムラインに何かが表示され始めるまで、アイデアが流れ始めないことがあります。創造的な障害にぶつかっても、あきらめないでください。編集を続けて、シーンやプロモーションなどに取り組むためのさまざまな方法を試してみてください。最終的には、あなたにインスピレーションを与え、正しい道に導く何かをするでしょう.
8.マッチカットは画像と音声の両方で機能します
眼球のクローズアップのあるシーンから、同じサイズの太陽のショットを含む別のシーンへの写真カット、またはこのタイプの写真マッチカットのバリエーションを見たことは誰にでもあります。ただし、カットされたオーディオを一致させることもできることを忘れないでください.以下に例を示します。
シーン A では、女性が次のように述べています。なぜ、何かを盗んだのは私が知っている唯一の人物です…」 — シーン B にカットされ、男性が「フレッチャー!」と叫び、テレビを持って店から出て行った女性の弟を指さします。オーディオのマッチ カットは、シーン間のアイデアを結び付ける優れた方法です。創造性を発揮してください — 可能性はたくさんあります。
9.まず荒削りしてから仕上げる
最初にカットをレイアウトするときは、カットの細部に取り組む必要はありません。まず大まかな構造を把握してから、フレームとオーディオの微調整を開始します。これにより、詳細に行き詰まることなく、作品を作成する際に最もクリエイティブなスピードと柔軟性が得られます。
10.句の間、呼吸、または激しい配達の直前の対話シーンでカット ショット
対話シーンの激しさのピークや、一時停止や熟考の瞬間を利用します。それらはすべて、あるキャラクターから別のキャラクターにカットするのに適した自然なポイントであり、カットはほとんど気付かれません.
11.動きをカット
これは、最も基本的なビデオ編集のヒントの 1 つです。カットを見えなくする最も簡単な方法は、ある種の動作中にカットすることです。これは、頭の回転、手のジェスチャー、パンチなどのキャラクターの動きです。または、カメラ自体の動きを切り取ることもできます。多くの場合、カメラは画面上でパン、ドリー、チルト、ホイップします。これらの動きをカットすると、編集内容が隠され、視聴者にとってよりシームレスなエクスペリエンスが作成されます。
12.カットのモチベーションを高める
カットが動機付けられている場合、カットはより自然に見え、視聴者を不快にさせません。これをうまく利用して、滑らかに流れるような作品を作りましょう。これの簡単な例は、キャラクターの顔のクローズアップです。目が画面の外に出ているため、見ているものへのカットの動機になります。
13.挿入ショットを使用
インサート ショットは、シーン内のアイテムのクローズ アップ ショット (メイン キャラクターが急いでアパートを飛び出したときに持っていくのを忘れたカウンターのキーのセット) または発生している非常に特定のアクション (テーブルからグラスワインを手に取る）。挿入ショットは、シーンの移行に役立ち、視聴者の注意を集中させることで何が起こっているかをより完全に定義し、そこに存在する詳細を示すことで環境に関する情報を提供できます。また、インサート ショットは、カット内のショット構成に大きな多様性をもたらし、作品を悩ませがちなミディアム ショットの単調さを解消します。
14.俳優の目を見てカットのタイミングを判断する
通常、アクターの目は、別のキャラクター、シーン内のオブジェクト、または単に別のカメラ アングルに切り替わるタイミングを示します。目の動きは、動きをカットすることの小さなバージョンであり、編集を動機付ける方法と考えることができます。カットするタイミングがわからないときは、目を見てください!
15.カメラの動きを利用してペースを速めます
強烈さとアクションの印象を与える優れた方法は、カメラの動きを利用することです。明らかに、移動カメラでのショットの可用性は撮影中に決定されますが、それらを使用できるようになり、アクションを少し強化したい場合は、それらを使用することを忘れないでください.さらに、ある動きのあるショットから別のショットにカットする場合、自動的に常に動きをカットするため、スムーズな編集を行う機会が増えます。その結果、個々のショットの持続時間を短縮し、ペースを速くすることもできます。
16.ジャンプカットが必ずしも悪いわけではない
観客はより寛容になりました。 10年か20年前は、ジャンプカットをしてはいけないという厳格で速いルールがありました.もうそうではありません。確かに、感情的で劇的なシーンでのジャンプ カットは、それでも少しぎこちなく、気を散らす可能性があります。しかし、ジャンプ カットのアクション、ホラー、コメディでさえ、以前よりもはるかに受け入れられるようになりました。ジャンプ カットは、作品にエッジの効いた文体的な雰囲気を与えるだけでなく、聴衆を怖がらせたり驚かせたりするための手段としても役立ちます。ただし、ほとんどのものと同様に、コツは使いすぎないことです。
17.視聴者が気を散らされたらカット
このビデオ編集のヒントは少し一般的ですが、重要な包括的な概念を示しているため、含めたいと思いました。カットするのが動き、大きな音、強烈な瞬間のいずれであっても、視聴者が気を散らしているときにカットすることが重要です。それは、トリックを設定する舞台裏で行われている巧妙な手品から聴衆の注意をそらすために、派手な演出や物語で聴衆の注意をそらすマジシャンのようなものだと考えてください。このヒントは、無数の編集状況で非常にうまくガイドします。
18.黒にフェードアウトすると新しいシーンが始まります — クロスディゾルブは時間の経過を示します
これはかなり基本的なヒントですが、覚えておくとよいでしょう。これらの効果のいずれかを使用することを避けようとする多くの編集者がいます。彼らは、適切に動機づけられたストレート カットで優れた編集ができると信じているからです。しかし、適切な状況下では、フェードとディゾルブは依然として適切な場所にあると私は信じています。控えめに正しく使用するようにしてください。
19.同様のショット間のカメラ アングルが少なくとも 45° 変化していることを確認してください
あるショットから同じ被写体の別のショットにカットする必要がある場合は、新しいショットの角度が最初のショットと少なくとも 45° 異なることを確認してください。そうしないと、カットが耳障りになり、間違いのように見えます。別の角度にカットできない場合は、別の被写体にカットするか、インサート ショットでギャップを埋めるようにしてください。
20.同じ被写体のショットをカットするときは、カメラの距離を変えてください
これは前のルールと似ています。何かをスタイリッシュにカットする場合を除き、同じ被写体をカットインまたはカットアウトするときは、カメラの距離を大幅に変更することをお勧めします。たとえば、極端なクローズアップからクローズアップにカットしないようにします。代わりに、ECU からミディアムまたはワイド ショットに変更してみてください。より自然に感じられ、カットを目立たなくするのに役立ちます — 通常はこれが目標です.
21.オーディオの頭と尾にディゾルブを使用してポップを防止する
ほとんどすべての編集ソフトウェアには、オーディオのフェードとディゾルブをすばやく適用する方法があります。これらをオーディオ クリップの端に使用して、サウンド エフェクト、会話、ルーム トーン、音楽などをスムーズにフェード インおよびフェード アウトします。言葉が話された後に 1 または 2 フレームのディゾルブを適用するスペースしかない場合でも、それを使用してください。これらのディゾルブにより、オーディオ ミックスがスムーズになり、「ポッピング」が防止されます。
22.会話の下に音楽と効果音を浸す
セリフやナレーションが聞き取りにくい場合、視聴者は今言われたことを理解しようとして、一瞬混乱してしまいます。これは視聴者を疲れさせ、最終的には欲求不満、興味の喪失、作品に没頭することの困難を引き起こします.
23.安っぽい VFX を使用しない
スター ワイプ、キラキラ光るフレア、ページ カールほど「アマチュア」を叫ぶものはありません。あなたのビデオがレトロ/安っぽく見えるように意図されていない限り、疫病のようなこれらの効果を避けてください.
24.最大限の効果が得られるように音楽編集の時間を計る
重要な瞬間まで音楽を保存してから再生を開始するか、音楽の最大かつ最も激しいセクションがカットの適切な瞬間に発生するように音楽を編集します。それは視聴者に合図を与え、彼らが見ているものが何らかの意味で重要であることを知らせます。それは、その瞬間がサスペンスに満ちていて、何か恐ろしいことが起ころうとしているためであるか、視聴者が見ているものがストーリーの重要な部分であるかに関係なく.
もちろん、この規則には多くの例外がありますが、音楽を少し控えめに使用する努力をすることができれば、作品により大きな影響を与えることができます.
25.必要に応じて会話やナレーションにコンプレッサーを使用する
コンプレッサーは、オーディオの高低を均一にする役割を果たします。それらには多くの用途がありますが、私のお気に入りの 1 つは、他の効果音や音楽がたくさんあるセクションで聞き取りにくいダイアログやナレーション ラインにわずかなコンプレッサーを適用することです。コンプレッサーは台詞の低いレベルの一部をブーストし、単語が失われたり聞き間違えられたりしないようにします。コンプレッサーを上げすぎないように注意してください。そうしないと、非常に人工的な音声のロボットのスピーチになってしまいます。
26.音声レベルがピークに達していないことを確認してください
これは、より基本的なフィルム編集のヒントの 1 つですが、見失いがちです。多くのアクションや恐怖を伴うシーンでは特に注意してください。避けられない複数のオーディオ トラックにより、ミックスがすぐに赤字になる可能性があります。
27.常にステレオまたはそれ以上でミックスします — 決してモノラルではありません
ミキシング ステレオでは、オーディオを左右にパンして、クールなサウンド エフェクト (通り過ぎる車、画面外からの声など) を得ることができます。ステレオ ミックスは一般に、音の濁りが少なくなり、ピークが始まる前にオーディオのヘッドルームが少し増える傾向があります。
28.リバーブと d-verb を使用して、ミュージック ストップでリングアウトを作成します
これは、予告編業界で常に使用されている非常に優れたトリックですが、あらゆる種類の編集で役立ちます。音楽が自然に終わる前の時点で停止する必要があるが、あまりに唐突に聞こえたくない場合は、これを試してください。音楽を終了させたい場所で、音楽のダウンビートを見つけます。ビートの後にその音楽トラック内の何かを持ち上げて、d-verb またはリバーブ エフェクトを現在の最終ビートに適用します。リングアウトの長さに応じて、動詞効果の長さとタイプを変更します。これにより、解決され、突然に聞こえない、きれいな音楽停止が得られます。衝撃の瞬間やジョークのオチが出る直前に止めるのに最適です。
29.オーディオを使用してシーンを切り替える
ビデオのトランジションの優れたヒントは、次のシーンのオーディオを現在の最後の下にプリラップすることです。たとえば、2 人がアパートでの会話を終了し、パリに旅行に行くことにした場合、会話が終了したビデオの下で飛行機の着陸音が徐々にフェードアップします。その後、あまりにも突然または予想外に思われることなく、パリに着陸する飛行機にカットできます。これは、視聴者に手がかりを与え、何を期待するかを知らせて、混乱したり、意図せず驚いたりしないようにするという意味で、カットの動機付けと非常によく似ています。
オーディオを使用してシーン間を遷移させるクリエイティブな方法は他にもたくさんありますが、これは最も基本的で便利な方法の 1 つです。
30.サウンド デザインを使用して瞬間を形成し、緊張を高めて解放する
シーンのムードを発展させるために、常に音楽だけに頼る必要はありません。シーンの雰囲気を構築し、視聴者の感情を導くために、ドローン、ヒット、金属的なうめき声、その他の有用なサウンド デザイン要素を使用することを恐れないでください。サウンド デザインを効果的に使用するには少し練習が必要ですが、編集中に本質的に作曲家として行動し、ムードやトーンを実際にコントロールできるようになります。
31.キーボード ショートカットをカスタマイズして使用する
誰もがコンピューターを操作する独自の方法を持っていますが、より高速な方法もあります。 I have always found that using keyboard shortcuts when editing — or doing anything on the computer — will DRASTICALLY increase the speed at which an editor can work.
Over the years, I have gradually fine-tuned my method for setting up my hot-keys in a particular software package. Now, the general rule I try to follow is to map all of my shortcuts to one half of the keyboard. That way, my left hand can stay in the same location on the keyboard and have access to all my keyboard shortcuts without having to move. My right hand will always be on the mouse, clicking and dragging around the timeline as needed. For maximum speed, I try to eliminate 95% of mouse clicking whenever possible. It takes a bit of getting use to but you’ll be amazed how much more quickly and effortlessly you can work.
32. Organize your source materials
This is crucial.
Unless you’re working on a very small project, you MUST organize your source materials. This includes all your video footage, your music, your narration, your sound effects, your graphics and anything else you might need. Particularly with the footage, you’ll want to organize it either by scene, character, location — whatever makes the most sense depending on your project and the type of piece you’re cutting. For a feature, it makes the most sense to organize by scene numbers. For promos, you’ll probably want to organize by types of shots and characters, since the footage will serve as more of a painter’s palette than a chronological storyboard.
However you choose to do it, just make sure you’re organized. Otherwise you’ll quickly become overwhelmed, make weaker editing decisions and miss out on editing opportunities that you may have seen if you had better access to your source materials. Trust me, it’s worth the initial time investment.
33. Mark your favorites
As you look through and organize your footage, keep notes of your favorite lines, takes, shots etc. Your initial reaction to seeing these materials will often be the most genuine and unbiased, most closely-reflected how the audience will perceive it. It’s important for you to make notes on your thoughts and impressions during this objective phase to help guide you later on in the process when things get a bit more…messy.
34. Save commonly used effects and plugin settings to a bin
Often when working on a project, you’ll find that you need to use the same types of effects multiple times. These could be time-warps, picture zooms, white flashes, audio effects etc. Rather than recreate them from scratch each type, create a bin or folder contain the presets for each of these effects so you can just drag them onto your clips as needed. This will save you quite a bit of time while editing, allowing you to focus on more important things.
35. Zoom in on the timeline
A common mistake many editors make is forgetting they can zoom in on their timeline. To properly fine-tune a cut, a music edit, whatever…you need to zoom in. By trying to work on a section of your piece without focusing the timeline on it, you’ll create two main problems.
First, you’ll become distracted by everything else that’s going on within your field of view. Sounds crazy, but it’s true. Editing can be very overwhelming at times because of the large amount of materials and edits that you’ll have going on. Zooming in not only focuses your timeline but your attention as well. Second, in order to make the small adjustments and tweaks to picture and audio you need to having a fine level of control. You don’t have that frame by frame accuracy when zoomed out and you’ll end up making incorrect adjustments to things and messing with an edit far longer than you need to.
Even after editing for many years, I still sometimes catch myself forgetting to focus in on a section I’m working. Get into the habit of zooming in and you’ll be surprised how many problems it solves.
36. Use two monitors when possible
For a long time, I edited using only on one monitor. I crammed my timeline, my bins, audio meters, and video windows all on the same screen. When I finally decided to add a second monitor and space things out a bit, there was no turning back. A good two monitor setup involves placing all of your clips, music, bins, audio meters and other tools on the left monitor. On the right monitor, put your timeline and your video windows. The extra screen space will help you with organization as well as provide more room to manipulate the materials on your timeline.
On many projects, I end up with up to 5 video tracks and 24 audio tracks. While the extra monitor is not a necessity, without it things would get a bit tight!
37. Avoid parallel edits
This is one of the classic video editing tips that bears repeating. Cutting from one shot to another at the exact same moment you cut the associated audio is often a bad idea. Since the goal of most edits is to create a smooth, uninterrupted experience for the viewer, you want to minimize jolts and bumps along the way. By cutting both picture and audio at the same time, you’re causing the viewer to adjust to two changes at once, which they’ll often notice. Instead, do what’s referred to as an L cut or J cut — also called pre-lapping and post-lapping.
This means, start the audio for the next shot slightly before you cut the picture to it. Or, cut to your next shot, slightly before the audio begins — this is good to capture reactions of the listener during a dialogue scene. It takes a little practice to get right but will give your cuts a much more professional feel.
38. Use multiple camera angles and shots with fast cutting to build intensity and impact
A great way to create a frenetic and fast-paced sequence is to show the action from multiple angles. Cut quickly from wide to medium to close shots as movement occurs to give a sense of speed and impact. This is particularly important in action scenes like fights or car chases. Just make sure to give your viewer a chance to rest every once in a while by cutting to a wide shot or the reactions of other people watching the action.
39. Vary your pacing and sound levels to create contrasts
A great deal of what makes things interesting in life is contrast. Video editing follows the same rules. By varying the pacing of scenes or the intensity of moments, you’ll create a rhythm in your piece that prevents the viewer from becoming over or under-stimulated. Audio works the same way. A loud scene or moment will have more impact when it follows a quiet one. Conversely, a whispered comment between characters will seem that much more intimate and personal when it follows loud action or music.
Use contrast to accentuate moments and really carve out the peaks and valleys of your cut.
40. Duplicate your timeline and save multiple versions
Any time you’re going to make substantial changes to a sequence — which might not end up working well — try to remember to duplicate your sequence. There’s nothing worse than making a bunch of edits, realizing that you just messed up something that was already working and finding that you can’t “undo” back far enough to restore it. If you make multiple copies of your sequence, you’ll rarely lose work and will have less fear of trying new things. And don’t forget to label them with what’s unique about them. A simple note like “different opening scene – no music” will help you remember what is different about the sequence in case you need to reference it later on.
41. Fake camera movement when necessary
Sometimes you really wish a shot had a slow push in on a character’s face during a dramatic moment but it wasn’t shot that way on the set. Don’t be afraid to add a slow animated resize or zoom to the clip to fake it. Something like 100% zoom to 103% zoom. Just make sure you don’t zoom in so far that the quality of the image starts to degrade. Experiment with faking lots of different types of camera movement.
You’ll be surprised at how much production value and impact you can add to shots that were otherwise a bit boring.
42. Use cross-cutting to build intensity
A great way to create suspense and anticipation is to make sure of cross-cutting. Cross-cutting is simply when you cut back and forth in between two events occurring in different locations or at different times. A great example of using this technique to build intensity would be to show a burglar creeping around outside a house at night and breaking in. In between shots of him approaching, entering and stalking through the house, you’d cut to shots of the homeowner asleep in their bed or perhaps in the shower, unaware of the danger that’s approaching.
43. Use room-tone and ambiance to smooth out your dialogue
When a character has finished delivering a line and another character is about to speak, there is often a bit of space or “dead air”. Depending on how the audio was recorded, there can be a noticeable absence of background hum and noise in between the lines. A good way of smoothing out these gaps is to find a section of the recorded audio track where the characters aren’t speaking but the microphone still picked up the general ambiance of the room or environment. Take a piece of this background noise and cut it in between the lines from the two characters and put small audio dissolves in-between everything. This will create a more seamless transition from one line to the next.
44. Turn up the volume when mixing
When it comes time to mix your audio, turn up the volume a bit. You shouldn’t be straining at all to hear your piece. In fact, you’ll want it to be pretty loud so you can really feel the impact of certain moments and make sure they’re playing as you intended. If you don’t want to disturb those around you, invest in a good pair of closed-ear headphones.
45. Give the audience time to laugh or think after jokes and important moments
After a funny joke is delivered, the audience will probably laugh a bit. In the case of really funny moments, the laughter might be so loud that any lines occurring directly after the joke will go unheard. Be sure to allow ample time for the audience to regain composure before presenting any additional important information or dialogue. The same goes for moments that might require the audience to think about something or realize what’s going on. For example, if a boy gets an angry phone call from his girlfriend and she breaks up with him, give the audience a chance to watch his reaction to the news and discover whether he’s upset — or relieved.
46. Total silence feels unnatural
Silence is anything but silent. When you’re mixing audio, remember that there is almost always some sort of noise in the real world and a complete absence of sound in a section of a cut will feel very unnatural.
A great example of this would be a war scene when a grenade explodes close to a character. It doesn’t injure the soldier but it’s so loud that he temporarily goes deaf. A complete absence of sound here would feel strange, but a high-pitched ringing in his ears and the muffled, quiet, echoed sounds of gunfire and yelling around him would give the impression of silence but in a much more natural way.
Even when human beings are placed in completely quiet anechoic chambers, they can still hear the high-pitched sound of their own nervous system and their heartbeat. To human perception, is no such thing is 100% silence.
47. Scene audio and sound effects should describe the setting or further the story
When deciding what elements of a scene’s audio to include in your mix, remember you don’t have include everything. Only include the ambiance and sounds needed to establish your environment and also to give the viewer clues as to the story you are telling.
If the scene opens in a room with a woman sitting in a chair looking uneasy and mildly annoyed, we might hear the sounds of traffic outside her window and the clock ticking. What we would soon find out is that she has been waiting for her husband to come home for dinner for over an hour and the passing of time is the relevant story point we should be aware of.
48. Edit a documentary with only audio at first
A great video editing tip when editing a documentary is to almost treat it like a radio cut at first. That is, find the narration and dialogue lines that tell the story you’re trying to get across and assemble them all on your timeline. Once you’ve got your story told effectively, then you can start adding in video footage of the interviewees on camera, b-roll of related imagery, graphics and beauty shots. By editing a documentary with only audio at first, it allows you to focus on what’s most important, the message.
49. Stay objective
Remember what your audience knows and doesn’t know. It’s easy to get so familiar with your material that you forget your audience might need a bit of extra information and hand holding to know what’s going on. Providing too little information will leave you viewer confused and important moments won’t have the desired impact. Conversely, too much information will make your film or piece feel unintelligent or made for children — so find the right balance.
50. Carefully sync your sound and music to picture
The human brain is amazing adept at detecting mismatches between audio and video. Even the difference of 1 frame — or 1/30th of a second — is noticeable under certain circumstances.
Be very careful when using sound effects and music that have very sharp attacks or well-defined beats. When these sounds and beats are meant to sync up with a particular visual such as a punch or a baseball hit, being off by even a frame can feel strange and detract from the impact of the event. Some software will even allow you to edit audio on the perf level, which can be as fine as 1/4 of a frame.
These details may seem insignificant but a sync problem causes your viewer to lose focus on the scene and takes them out of the immersive experience of your cut — which is a big problem.
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Thanks for taking the time to read through these video editing tips. I hope these rules will be as helpful to you as they have been to me over the years.
Got any great video editing tips you’d like to share?
Please post them in the comments below!