監督と編集者の両方が映画のリズムに責任を負っています。
しかし、最終的には、多くの場合、編集者が最後の言葉を持っています。
俳優がセリフを出すと、顔が見えますが、通常は声が重要です。
映画の最後の大きな発表は、彼らが言うことと同じくらい彼らが言うことです。
しかし、私たちが映画を見るとき、俳優が言うすべての言葉を聞くわけではありません。
彼らの会話の細部をずっと聞くのは疲れるでしょう。代わりに、通常は、画面上で他のことが起こっているのを見ながら、会話の断片が聞こえます。
対話は真空の中には存在しません。俳優は、シーンの途中で動き回ったり、相互作用したりします。時にはお互いから離れることもありますが、俳優は常にカメラに向かっていて、彼らが何を言っているのか、どのように言っているのかを確認できます。
何が起こっているのかを理解するのに十分な言葉を聞くかもしれませんが、それが私たちの注意のスパンで退屈または侵襲的になるほどではありません。
これは、2人が相互作用するのを監視しているためですが、実際には常に相互作用するのを見ることができません（何らかの分割画面効果が発生している場合を除く）。
編集者は映画のリズムをどのように制御しますか
編集者が映画のリズムを制御するのはなぜですか？
映画のリズムは、構造と同様に映画の成功にとって重要です。リズムは編集者が制御できます。編集者は、映画が観客にどのように認識されるかを指示することもできます。
映画のリズムはしばしば「ペース」と呼ばれ、映画のペースを指します。
ペースの良い映画は、ペースが上がり、クライマックスに達する安定した流れになります。ペースが悪いと、遅すぎるか速すぎます。
編集者は、映画のペースがどのように発展するかを制御する上で重要な役割を果たします。編集者は、各シーンの開始位置と終了位置、および画面に表示される期間を長くしたり短くしたりする場所を決定する責任があります。
たとえば、2人のキャラクターの間に長い会話があり、その間にどちらのキャラクターからの動きもほとんどまたはまったくない場合、これはかなり長い間伸びて、聴衆にとって退屈になる可能性があります。そのため、別の方法で編集されます。
編集者は、物語に寄与しない特定の部分を切り取り、サスペンスを構築することによって、それを短縮します。
各シーンが続く時間の長さも、映画全体のペースに影響を与える可能性があります。1つのシーンが必要以上に長く続くと、他のシーンの流れが乱れる可能性があります。
編集者は映画のリズムをどのように制御しますか？
ですから、あなたは素晴らしいストーリーを持っており、それに合わせて最適なスクリプトを選択しました。次のステップは、あなたのビジョンを実現するのに役立つ才能のある俳優と監督を見つけることです。
これで映画の制作を開始しますが、その前に編集者を雇う必要があります。
編集者を雇う前に、映画を編集するプロセスについて尋ねてください。
編集者は映画のリズムをどのように制御しますか？
使用するショットを決定するときの彼らの思考プロセスはどのようなものですか？
彼らは何が良いショットになると信じていますか？
シーンからシーンへスムーズに移行するように、ダイアログをどのように編集しますか？
彼らは行動を断ち切るのか、それとも音を断ち切るのか？
編集者は常に台本に従いますか、それとも台本になかった会話を変えたり、カットしたりすることがありますか？
非常に多くの質問！そして、このガイドでそれらすべてに答えたいと思っています。
エディターでの作業を開始したら、手を離しておくことが不可欠です。あなたが彼らにあなたの映画を編集する方法を教えようとすると、たぶん、あなたはあなたが意図したものとは完全に異なるカットになってしまうでしょう。
たとえば、キャラクターが何か深遠なことを言うはずの瞬間があるが、別のキャラクターのリアクションショットがない場合。他のキャラクターのショットを撮る必要があると彼らに言わないでください。
編集者は映画で何をしますか？
映画編集者は、観客が理解できるように映画を編集する人です。
編集者は、制作のすべての部分から映像を受け取り、それを組み立てて物語を語る製品にします。
映画編集者の仕事は、監督の要求に応じて、映画のリズムが速くてエキサイティングなものになるように、またはゆっくりと思慮深くなるように編集することです。
他の人が提供する映像に加えて、編集者は自分の映像も持っており、多くの場合、自分のカメラで撮影されます。特定のシーンに必要な追加の映像を撮影するように求められる場合があります。
タスクには次のものが含まれます。ショットの選択とシーケンスへの配置必要なショットの決定ダイアログと効果音の編集音楽やタイトル（クレジット）などの視覚効果の追加
ポストプロダクションのプロセスは、撮影が終了するとすぐに始まります。ポストプロダクションでは、編集者はプロデューサーと緊密に協力して、特定のシーンの長さを決定します。
編集者は、シーンの大部分をカットしなければならないことに気付く場合があります。これは、シーンが映画の残りの部分に適合しないためです。編集者は、両方が同意する映画のカットを取得するまで、監督と協力します。
監督は通常、1つの最終カットを検討する前に、いくつかのバージョンを作成します。このプロセスは、長編映画の場合、数か月かかる場合があります。フィルム編集でのショットの長さの制御ショットの長さは、カメラが1つの被写体に焦点を合わせるのに費やす時間です。
ショットが長ければ長いほど、その被写体に費やす時間が長くなり、より多くの情報を伝えることができます。また、特定のショットは、他のショットよりも特定の長さに適しています。
長いショットは通常、ショットを確立するため、または視聴者が見ているものを実際に特定したい場合に使用されます。たとえば、家の中でシーンが発生する場合、その家のどこでアクションが発生するかを確認することが重要です。
キャラクターの顔のクローズアップは、彼らの反応を可能な限り見ることができるように、短いショットでよりよく提供されます。ショットは、映画を作る長年にわたって標準化されており、すべての映画製作者はそれらを心から知っています。
たとえば、画面を左から右に歩いているキャラクターをフォローしている場合、これは「確立ショット」（または「マスターショット」）と呼ばれます。このショットは、このアクションがどこで行われているのかを示すことを目的としています。おそらく、街の通りや誰かの家です。
クローズアップは別の標準的なショットです。エスタブリッシングショットはフィルム編集の感情とトーンをサポートするよりも独自のコンテキストが少ないため、エスタブリッシングショットとは異なる方法で撮影する必要があります
フィルム編集は、フィルムまたはビデオを組み合わせるときに含めるショット、サウンド、およびその他の効果を選択する技術です。これを使用して、気分を伝え、映画を見ているときに観客がどのように感じるかを制御できます。
編集とは、撮影の過程で撮影された映像や音声からストーリーを作成することです。編集テクニックを適切に使用すると、映画に一貫した感情的なトーンを与えることができます。
これは、適切な知識があれば簡単に習得できるプロセスです。映画の編集とは、実際には、撮影前に映画がどのように見えるかを想像することです。
特定の種類の編集と視覚効果を使用して、視聴者にどのような種類の効果を作成しようとしているのかを検討します。フィルムを編集するには、さまざまな方法があります。
それらを効果的に使用する方法を学ぶには時間がかかりますが、いくつかの基本的なテクニックを習得したら、いくつかのより高度なテクニックを試すことができます。これらには、ジャンプカット、ワイプ、フェードが含まれる場合があります。
ジャンプカットを使用すると、2つのショットを一緒に編集して、それらの間にトランジションがないようにすることができます。一方、ワイプは、画面全体に表示される曲線または直線によって、あるショットから別のショットにトランジションします。フェードは、1つのショットがフェードアウトし、別のショットが同時にフェードインするため、さらにシンプルです。
フィルム編集でシーンのペースを作成する
映画製作は、適切なショットを適切な順序で組み合わせるという大きなパズルです。映画を編集するときは、シーンのペースを作成する必要があります。
各シーンの編集プロセスによって、そのシーンで視聴者が感じる速さや遅さが決まります。映画の編集には6つの異なるペースがあります。開発に時間がかかるシーンですが、緊張が高まった後、突然爆発してアクションを起こします。
このペースは、観客に不確実性と期待感を生み出します。最初から緊張が高まり、開始前に蓄積がほとんどまたはまったくないシーン。
ポイントに直行し、長すぎないため、観客の興味を引く短いシーン。あまり起こらない、またはキャラクターの発達があまりない、ペースの遅いシーンで、キャラクターが退屈または無関心であることを示すために使用されます。何かについて。
クイックカット、ジャンプカット、速いカメラの動きなど、多くのことがすばやく発生するペースの速いシーンは、キネティックペースとも呼ばれます。映画Memento（2000）は、2つの間を行ったり来たりする短いシーンを使用して、非常にユニークな撮影スタイルを採用しています。 2つの異なるタイムラインの異なる文字セット。聴衆は混乱しているように感じますが、知りたいので好奇心が強いです
ウォルターマーチのように編集する方法
Walter Murchは、最も希少な編集者であり、優れた技術者であるだけでなく、優れた芸術家でもあります。彼の映画はその視覚的な素晴らしさで知られており、彼の編集はその重要な部分です。
MurchはFinalCutProを編集しているため、MediaComposerの強力で面倒なMagneticTimelineは使用できません。 「私は老犬です」と彼は言います。「そして、Final CutProXの使い方を学びました。」
マーチは2台のモニターを並べて編集し、写真と音声を同時に表示します。彼は片方のキーボードの両側を両手で編集し、片方の手で音を「感じる」ことができるようにします。
彼は、自分自身の多くを可能な限り物理的にプロセスに関与させることを信じています。「目と耳は、実際にはほとんどの人が理解するよりも重要です。」彼の映画は、長回しと複雑なサウンドデザインで知られており、多くのレイヤー。
サウンド編集用に最適化されていないNLEで作業すると、このプロセスが本来よりも難しくなります。 「音はタイムラインの一方の端にあり、画像はもう一方の端にあります」とマーチ氏は言います。「そのため、常にそれらの間を行ったり来たりします。
高速編集のフィルム
編集速度の重要性については多くの議論があります。人間の目は毎秒約10フレームで画像を処理できるのに、なぜもっと速く編集する必要があるのでしょうか？
10fpsより速く編集しようとしても意味がありません。ただし、このルールに違反する場合があります（たとえば、プロジェクトの時間を節約しようとしている場合）。
編集が速すぎると、次のような深刻な問題が発生する可能性があります。
ばらばらの編集。ビューアのフラッシュが速すぎて画像を適切に処理できません。
ショット間のスムーズな移行は見られません。代わりに、一致しない一連の瞬間的なカットが表示されます。これにより、視聴者は気分が悪くなり、方向感覚が失われることさえあります。
継続性に関する混乱。編集が速すぎると、視聴者が画面上で起こっていることを追跡するのが難しくなります。動画を視聴しているときに継続性を理解するのが難しい場合は、メッセージも失われる可能性があります。これはあなたの聴衆に無意識のうちに起こるかもしれない何かです。彼らはあなたのビデオに何か問題があることに意識的に気づいていないかもしれませんが、それでも彼らがそれを見ている間、彼らは混乱したりイライラしたりします。